«Театр сознания» – фраза Стефана Малларме как нельзя лучше соответствует нынешнему положению вещей, тем более что «общество спектакля» и «общество антракта» не могут существовать порознь. Независимо от рода наших занятий, мы всегда на сцене, и было бы наивно думать, будто эстетические практики являются исключением.»[1]

 

Этот «театр сознания» можно увидеть на выставке, охватывающей «неофициальное» искусство с конца 1950-х до 2000-х годов в Третьяковской галерее на Крымском валу[2]. Некоторые работы этого времени можно было увидеть либо в мастерских художников, либо за рубежом ближе к концу века. В материале предлагается частично разобраться с этим противоречивым пластом культуры.

На выставке представлены произведения из коллекции Леонида Талочкина, «грандиозного архивариуса»[3], и из запасников самой Третьяковской галереи. Интересно, что Леонид Талочкин собрал большую коллекцию благодаря общению с художниками, которые зачастую дарили ему свои работы. Экспонаты на выставке сгруппированы по направлениям и тематическим разделам: «Абстракция», «Кинетизм и оптическое искусство», «Мистики и сюрреалисты», «Новый реализм», «Поп-арт», «Минимализм и постживописная абстракция», «Соц-арт», «Концептуализм образ в голове», «Поэзия и письмо», «Перформанс», «Машины понимания», «Неоэкспрессионизм», «Концептуализм – новое поколение», «Археология постмодерна», «Акционизм 1990-х» и «Проект: искусство 2000-х». Важно помнить, что эти произведения представляют собой не отражение мира, а его интерпретацию художником, зачастую вызывая некоторый дискомфорт. Новая система стала складываться после смерти Сталина, происходит создание новых норм в искусстве, так как искусство стало содержательно пустым из-за исчерпанного потенциала пропаганды. Эти новые нормы зависят от конкретного художника или объединения. Если смотреть в целом, то этот срез искусства похож на лоскутное одеяло за счёт разнообразия средств, но всё же разговор об одном – о советской действительности, её мифологии и повседневности, её видении художниками. На первый план выходит «искренность и правдивость искусства»[4].

 

Если рассмотреть хронологически, то получится следующая ситуация. В конце 50-х – начале 60-х годов всевозможные абстракции набирали обороты, совсем недавно стало возможным выбрать не социалистическую тему, и это было большим шагом. Соцреализм был нацелен на рассказ истории о лучшей жизни или культе лидеров, в то время как нонконформизм был нацелен на диалог со зрителем. Те художники, которые «отклонились от реализма» для выставок выбирали себе такие ниши как квартиры, заводы, кафе, библиотеки. В это время формируется Лианозовский кружок, включающий поэтов и художников, живших в тогдашнем пригороде Москвы (сейчас это район в Москве), которые показывали свой мир. В 1962 г. произошла нашумевшая встреча Никиты Хрущёва и авангардистов (Элий Белютин, Эрнст Неизвестный) в Манеже на выставке, посвящённой юбилею московского отделения союза художников. После чего конформизм и нонконформизм пошли разными путями, нонконформистам препятствовали выставляться на крупных площадках, вследствие чего и происходили выставки в мастерских и квартирах друзей. В связи с этими событиями также интересно обратить внимание на размер картин, который зачастую был размером с дипломатический чемодан, потому называемый дип-арт. Советские художники могли продавать зарубежным гостям свои картины, которые было легко экспортировать. А благодаря вывозу работ в зарубежные странах появилась возможность заглянуть и посмотреть на творческую жизнь советских художников.

В начале 70-х нонконформисты («неофициальные» художники) начинают разделяться, оформляются такие направления как концептуализм (Илья Кабаков исследует повседневное сознание homo sovieticus), соц-арт (советские символы предстают в новом обличии), промежуточное положение между ними занимают работы Дмитрия Пригова, который исследует мифы повседневности.

Концептуализм – направление в искусстве XX века, берущее за основу идею и применяющее разные средства для её воплощения. Интересно, что именно концептуализм совпал по времени развития в СССР и в Америке, однако в СССР концептуализм представляет нечто качественно другое, нежели объекты Джозефа Кошута. Концептуалисты анализируют понятие искусства, при чём намеренно вызывая дискомфорт у зрителя для большего контакта. Концептуализм связывают с предвестником постмодерна, так как уже в концептуальных произведениях можно видеть эклектичное применение разных направлений искусства, что в полной мере развивается в постмодерне. Концептуализм развивался главным образом в Москве, поэтому можно услышать название «московский концептуализм», объединявший разные круги и поколения. Главным героем считается Илья Кабаков и его концептуальные альбомы о фантастической жизни. Кабаков, конечно, не остановился на альбомах, а выступил как новатор также и в жанре тотальной инсталляции (тот-арт), где создаётся пространство, составленной из произведений искусства даже самих по себе.

«Концептуалисты анализируют понятие искусства, причём намеренно вызывая дискомфорт у зрителя для большего контакта»

Направление, существовавшее исключительно в СССР – это соц-арт, иронически использующее советские символы и создающее новую систему знаков. Это название произошло от соединения двух стилей: от соцреализма взяли «социалистический», а от поп-арт вторую часть. Если в Америке поп-арт был пародией на консьюмеризм, то в СССР из-за частой нехватки предметов и продуктов питания в соц-арте отразилась другая реальность. В этом преуспели Виталий Комар и Александр Меламид (этим они не ограничивались), Александр Косолапов, Леонид Соков. В 1988 году прошёл первый аукцион Sotheby`s, который ознаменовал конец подпольного существования неофициального искусства. Работы нонконформистов были проданы за огромные суммы, при этом, только одна работа не была продана – Ильи Глазунова, который был в кругу официальных художников. Отныне образ жизни художников отчасти поменялся, некоторых ждали зарубежные выставки.

 

Акционизм – одно из самых интересных направлений, развивавшееся с 1980-х. В сущности, при акционизме искусство переходит в трёхмерное измерение. Художник преимущественно использует своё тело и совершает ряд действий, предусмотренных для достижения какой-либо цели и идеи, при этом продуманный сценарий отсутствует. Это делается для диалога со зрителем, для непосредственного контакта. В этой сфере широко известны «Коллективные действия», «Мухоморы» Андрея Монастырского, Олег Кулик, Анатолий Осмоловский и другие.  В 1990-е акции случались постоянно, конкурируя в газетах с криминальными новостями.

Кинетические скульптуры хронологически завершают выставку. Это объекты 2000-х годов, которые шевелятся при малейшем колебании воздуха. Художники вдохновлялись кинетическими скульптурами Александра Колдера, развивая средства и сюжеты.

Вкратце, «неофициальное» искусство представляет описанное выше. Самое главное – это попытка самому себе ответить на ключевой вопрос: «Искусство ли это или нет?»

Автор текста и фото: Наталья Белова

[1] Агамов-Тупицын В. Круг общения. М.: Ad marginem, 2013. С. 134.

[2] Современное искусство: 1960-2000. Перезагрузка. В рамках программы «Третьяковская галерея открывает свои запасники» http://www.tretyakovgallery.ru/ru/calendar/exhibitions/exhibitions6144/

[3] Кизевальтер Г. Переломные восьмидесятые в неофициальном искусстве СССР. М.: Новое литературное обозрение, 2014.

[4] Аймермахер К. От единства к многообразию. Разыскания в области «другого» искусства 1950-х – 1980-х годов. М.: РГГУ, 2004.  С. 69.

[5] Указ. соч. С. 51.

[6] Бобринская Е. А. Концептуализм. М.: Галарт, 1994.