Студия с непростой судьбой, по иронии напоминающей характер записываемых работ – ломаный, свободный и синкопирующий. Как и в случае ЕСМ, истоки лейбла восходят к 60-м годам, страна происхождения – США. Основателем лейбла стал многоопытный музыкальный продюсер Крид Тейлор, знаменитый заслугами по привлечению музыкантов жанра боссанова на широкую сцену. Знаменитые Антонио Карлос Жобим и Аструд Жилберту многим ему обязаны. Однако успех лейбла начинался не с них. Одной из первых отгремела на лейбле пластинка Рэя Чарльза Genius + Soul = Jazz. Для начинающей студии то был прорыв, для именитого музыканта – продолжение успешной карьеры. Затем руководство лейбла неоднократно менялось. Дело Крида Тейлора продолжил Боб Тиль, а много позже у руля оказался Эд Мишел. На протяжение долгих лет существования impulse! становился подразделением крупных компаний, среди которых Universal Music Group.
На творческой политике лейбла это сказывалось неоднозначно. Сегодня ясно одно: наследие impulse! – это вулканическая порода джазовой музыки. Эзотерика и африканский экстаз Элис Колтрейн соседствуют здесь с приглушённой, но в то же время коммерческой салонностью Дайаны Кролл. А это значит – кто ищет, тот всегда найдёт то, что нужно ему, и в одном мы точно сомневаться не можем – у impulse! есть что послушать и на что посмотреть.
URL: http://www.impulse-label.com
Для знакомства:
Oliver Nelson – The Blues and the Abstract Truth (1961)
John Coltrane – Live at Birdland (1964)
John Coltrane – A Love Supreme (1965)
Alice Coltrane – Journey in Satchidananda (1970)
Kenny Barron / Dave Holland – The Art of Conversation (2014)
Сфера изобразительного искусства в странах Центральной и Восточной Европы изменяется и развивается в настоящий момент, в связи с чем представляет интерес для исследователей этой области, а также для людей, следящих за развитием современной художественной культуры. Термины «Центральная и Восточная Европа» обозначают страны, расположенные восточнее Германии и южнее Балтийского моря до границ с Грецией. Россия и государства данного региона географически связаны, более того, в сфере российского и восточно-европейского искусства можно найти схожие и пересекающиеся темы. Это подтверждается выставками, проводимыми в России[1] и Европе[2], книгами о художниках Восточной Европы и их творчестве, издаваемыми и обсуждаемыми в России[3]. Ввиду этого, для российской аудитории искусство представителей стран Центральной и Восточной Европы представляется близким для восприятия и обращает на себя внимание любителей живописи, перформанса и инсталляций.
Восточно-европейское искусство на сегодняшний день не находится в тени, тем не менее, выставки представителей данного региона в России проводятся нерегулярно и довольно редко, но с размахом. Зачастую это масштабные экспозиции, собирающие работы многих авторов и объединяющие несколько их поколений. Такой была выставка «Грамматика свободы / пять уроков. Работы из коллекции Arteast 2000+» в музее современного искусства «Гараж» (с 6 февраля по 19 апреля 2015 г.), где были представлены работы, созданные в период с 1960-х годов по настоящее время более чем 60 авторами из Восточной Европы. Мастера-ветераны известны широкому кругу и в России, и в мире, но молодые представители современного искусства скорее востребованы среди профессионалов, и для большой аудитории зрителей остаются пока что не столь популярными. Необходимо отметить, что искусство данного региона не уступает в разнообразии другим странам мира, обладает своими отличительными особенностями и громкими именами.
Венгрия: Музей Людвига в Будапеште и российское искусство.
В Центральной и Восточной Европе немало важных культурных институций, например, Музей Людвига – центр современного искусства, расположенный в Будапеште, который считается лучшим из восточно-европейских филиалов Кёльнского Музея Людвига. Постоянные экспозиции представлены произведениями современных венгерских художников, а также работами Пикассо, образцами американского поп-арта и произведениями времён социалистической Венгрии. Летом 2015 года зрительской аудитории представили экспозицию «Красный горизонт. Российские и экс-советские произведения из коллекции Музея Людвига»[4]. Время проведения выставки – с 5 июня по 6 сентября 2015 года.
Одним из важнейших начинаний коллекционеров произведений искусства Петра и Ирэны Людвиг, учредителями музея в Будапеште, было взятие на себя роли посредников между бывшим Востоком и Западом. Так называемое пост-Сталинское искусство не вызывало интерес западных коллекционеров или музея ранее. В конце 1970-х годов западные музеи обратили свой взгляд на советское искусство. Коллекция музея Людвига в Будапеште насчитывала около тысячи работ современного искусства из СССР в 1980-е годы. Сегодня эта коллекция, увеличившись более чем за 35 лет, отображает русские и постсоветские собранные произведения искусства в широких масштабах.
Выставка «Красный горизонт» осветила российское и советское художественное творчество. В первой части экспозиции выстраиваются различные формы реализма: фотореализм, экспрессивный реализм, сюрреализм. Вторая часть выставки представляет работы некоторых ныне легендарных художников геометрического искусства и Московского Концептуализма (например, Владимира Янкилевского, Дмитрия Пригова). Московский Концептуализм – влиятельное арт-движение второй половины XX века. На выставке произведения художников распределены по нескольким темам, в частности: «Бог», «Капиталист и Рабочий», «Память» и другие. Основная часть работ, участвующих в экспозиции, датируется 1980-90 гг.
10 июля в музее Людвига открылась еще одна выставка, связанная с отечественным искусством – «Абсолютная красота – Неоакадемизм в Санкт-Петербурге». Течение «Неоакадемизм» появилось в начале 1990-х гг. под руководством Тимура Новикова, философа, художника и теоретика. Представители неоакадемизма реабилитировали понятие красоты, вернулись к эстетическим ценностям и историческим формам классицизма и историзма. Нынешняя выставка, организованная в сотрудничестве с Уральской Галереей в Екатеринбурге, приводит краткий обзор этой очень примечательной ветви русского искусства. Выставка длилась до 13 сентября 2015 года.
Эстония: Художественный музей Куму как один из крупнейших в регионе.
В Таллине находится музей Куму (аббревиатура от эстонского «KUnstiMUuseum», что означает «музей искусства»), который является крупнейшим в Балтийском регионе и одним из четырёх филиалов Эстонского художественного музея. Среди постоянных экспозиций – искусство Эстонии, начиная с XVIII века, работы советского периода (1941—1991), включающие и социалистический реализм, и неофициальное искусство. Временные выставки представляют зрителям зарубежное и эстонское современное искусство. Музей строился относительно недавно – в период с 2003 по 2006 год, и здание музея впечатляет своей современной архитектурой и размерами.
Музей Куму в Таллине.
Одновременно в музее могут проходить десятки экспозиций. Среди текущих выставок музея Куму: «Богатство натуры. Идея жизненности и дюссельдорфская школа» (с 3 июля по 8 ноября 2015) – творчество влиятельных эстонских художников (Эдуарда фон Гебхардта, Эугена Дюкера, Оскара Хоффманна, Пауля Рауда), учившихся и работавших в Дюссельдорфской академии художеств; «Яромир Функе и чехословацкая авангардистская фотография 1900–1950 гг.» (с 15 мая по 30 августа 2015) и другие.
Для российского зрителя любопытна выставка «Метаморфозы чёрного квадрата. Толкования творчества Малевича в эстонском искусстве» (с 20 марта по 9 августа 2015) – по названию экспозиции видна прямая связь российского, советского, и эстонского искусства. Данная экспозиция – скромное посвящение 100-летию иконы живописи ХХ века, произведению «Черный квадрат» Казимира Малевича (1878–1935). Выставка предлагает разноплановую подборку трактовок «Черного квадрата» в работах художников Эстонии. «Черный квадрат» – произведение, существующее само по себе, в отрыве от автора, так как оно вышло за пределы приписываемых ему Малевичем значений. Посвящения и цитирования «Черного квадрата» существовали еще при жизни авангардиста, создавались его учениками, отсылки к этому произведению можно найти в работах многих современных, в том числе и эстонских художников. Черный квадрат живет своей жизнью в работах других художников, что было показано на российской выставке «Приключения “Черного квадрата”» (2007, Русский музей), которая вдохновила музей Куму на создание выставки в Эстонии. Присутствие на таллинской выставке названий, содержащих сочетание «черный квадрат», – обоснованное и вполне частое явление. Среди представленных работ – «Черный Кот Малевича» (2006) Сирьи-Лийзы Ээльма, «Деконструкция «Черного квадрата» Малевича» (2000/2010) Янно Бергманна, инсталляция «Рассеивание черного квадрата» (2008) Kiwa и другие.
Выставочный зал, экспозиция «Метаморфозы чёрного квадрата. Толкования творчества Малевича в эстонском искусстве».
Хорватия: Музей современного искусства в Загребе.
Музей модернистского искусства в столице Хорватии является крупнейшим и самым технически оборудованным музеем страны. Учреждение было создано в 1954 году, новое здание музея на другом месте было построено по проекту архитектора Игоря Франича. Строительство завершилось 11 декабря 2009 года. Основными работами, собранными в выставочных залах, являются произведения современных хорватских художников. 26 июля текущего года завершилась экспозиция «Bauhaus – сетевые идеи и практика (BAUNET)». На выставке были показаны произведения художников, архитекторов и дизайнеров из Хорватии, Словении, Боснии и Герцеговины, учащихся в Баухаузе, одной из наиболее влиятельных международных школ. Помимо студенческих работ, на выставке присутствовали работы их преподавателей, известных художников, читающих лекции и проводящих семинары в Баухаузе, а также были представлены Марсель Брейер, Василий Кандинский, Пауль Клее, Ханнес Мейер, Оскар Шлеммер.
Экспозиции восточноевропейских авторов в музее находятся постоянно, сменяются и открываются новые выставки для посетителей. В мае 2010 года в Калининградской художественной галерее была представлена выставка известного хорватского художника Бане Миленковича, а открывал экспозицию президент Хорватии Иво Йосипович, который обозначил начало обмена художественной информацией между Россией и Хорватией.
Черногория: выставка Войо Станича в художественном музее в Цетинье.
Постоянная экспозиция работ одного из самых видных современных художников Черногории, Войо Станича, располагается в национальном музее Черногории, в художественном отделе. Черногорский художник и скульптор Войо Станич родился 1 января 1924 года в Подгорице. Станич является членом Черногорской академии наук и искусств. Жанр, в котором работает художник – сюрреализм. Специалисты отдают Станичу в живописи место наравне с Кустурицей в кино и Бреговичем в музыке[5]. Было проведено несколько персональных выставок Станича, многие картины находятся в галереях Черногории. В 2009 году в Москве в Государственном музее изобразительных искусств имени Пушкина состоялась выставка с замысловатым, таким же, как и картины художника, названием – «Нежная логика легкого абсурда». Сюжетами многих картин Войо Станича становятся люди и городская жизнь. Жизнь в городе автором изображается в специфичной манере, персонажи и предметы выходят за рамки холста, за границы воображения. Интересно, что сам художник называет свои произведения чересчур реалистичными.
Войо Станич «Терраса»
В заключение можно сказать, что изобразительное искусство Центральной и Восточной Европы оказывает воздействие на общемировое современное искусство и испытывает влияние со стороны деятелей из других государств, в том числе и российских художников, и бывших советских. В современном мире искусство не существует автономно в узкой среде, страны сотрудничают и взаимодействуют друг с другом, делятся своим опытом с государствами других регионов. Восточная Европа активно развивает музейные пространства, которые сегодня стоят в одном ряду с такими площадками как Кёльнский музей современного искусства (Музей Людвига), Национальный музей искусств XXI века в Риме, Новая национальная галерея в Берлине, Пинакотека современности в Мюнхене и другими, которые представляют новые имена, художественные школы и идеи.
Один из важнейших теоретиков современного искусства, уроженец Словении и восточно-европейский куратор Игорь Забел (1958–2005) критически говорил о скрытом противостоянии искусства Запада и Востока Европы. Он писал, что главным в этой проблеме являются механизмы восприятия людей, разделением на «наше» и «другое» искусство[6]. В целом, творчество восточно-европейских и центрально-европейских авторов воспринимается по-разному в различных уголках мира, но искусство данной географической области занимает свое почетное место в культуре, обладает представителями с общемировой известностью. Россия и Восточная, Центральная Европа сотрудничают между собой, проводят межкультурные выставки, поэтому данные регионы тесно связаны не только экономически или политически, но и через сферу изобразительного искусства.
Елизавета Пичурина
[1] Выставка произведений, созданных авторами из Восточной Европы, в московском музее современного искусства «Гараж» // http://garageccc.com/ru/event/654.
[2] Выставка «Метаморфозы чёрного квадрата. Толкования творчества Малевича в эстонском искусстве» // http://kumu.ekm.ee/ru/syndmus/.
[3] Издания о современном искусстве из стран Восточной Европы // http://garageccc.com/ru/event/682.
[4] Vörös horizont. Orosz és ex-szovjet művek a Ludwig Múzeum gyűjteményében // http://www.ludwigmuseum.hu/site.php?inc=kiallitas&kiallitasId=931&menuId=43.
[5] Новая газета № 73 от 10 июля 2009 г. // http://www.novayagazeta.ru/society/44412.html.
[6] Забел И. ”Мы” и “Другие”, Художественный журнал, № 22 (1998).
[:ru]
Одним из ярчайших событий прошедшей недели в Москве стал Конгресс «Россия и Испания: политика, экономика, культура», организованный факультетом мировой экономики и мировой политики НИУ ВШЭ 27-29 апреля. Конгресс завершил «перекрёстный» год Испании в России и России в Испании. В ходе мероприятия было представлено более ста докладов ведущих российских и испанских экспертов. Корреспонденту THE WALL посчастливилось обсудить с испанскими исследователями Анхелем Баамонде Магро и Иммакуладой Коломиной Лимонеро наиболее актуальные темы, связанные с Испанией и российско-испанскими отношениями.
Сеньора Коломина, Ваше выступление на конгрессе касалось niños de la guerra, испанских детей, которые были эвакуированы в Советский Союз из-за начавшейся в Испании Гражданской войны. Как это событие отразилось на жизни испанских детей?
И. Коломина: Для них эвакуация в Советский Союз разделила жизнь на «до» и «после». В Испании они жили как бы в изоляции: в разгар Гражданской войны, в 1937-38 годах, им не разрешали выходить из дома, полноценно общаться с другими детьми, и, конечно, о далёком Советском Союзе они понятия не имели. Они жили как бы в стеклянном шаре. Но этот стеклянный шар разбился, когда эти дети приехали в вашу страну в 1941г. Они получили возможность узнать другую страну, познакомиться со своими советскими сверстниками, расширить горизонты своих знаний.
Чем они занимались во время Великой Отечественной войны?
Почти все так или иначе по собственному желанию помогали Красной Армии: юноши вступали в ряды солдат, девушки становились медсёстрами. Ведь все эвакуированные дети были из семей, поддерживавших республиканцев. И на Родине они были свидетелями боевых действий, интервенции Германии и Италии. Поэтому борьба советского народа против фашизма…была для них очень понятной и близкой, и они хотели внести в эту борьбу свой вклад.
А как сложилась их судьба по окончания Второй Мировой войны?
Многие, конечно, собирались вернуться домой в Испанию, но им это не удавалось сделать вплоть до 1956 года, потому что до этого года между Советским Союзом и Испанией при Франко не было дипломатических отношений. Ситуация начала меняться к лучшему только после смерти Сталина. И тогда из 3000 эвакуированных в Испанию из СССР вернулись примерно 60 %.
В преддверии одного из важнейших для нашей страны праздников, Дня Победы, хотелось бы у Вас узнать: как в Испании в целом оценивают вклад Советского Союза в победу во Второй мировой войне?
К сожалению, в Испании не очень хорошо известна Великая Отечественная война, как её называют в России. И у нас, как и во многих странах Европы, принято думать, что фашизм удалось победить благодаря Соединённым Штатам и Великобритании.
Большое спасибо за такой увлекательный рассказ, сеньора Коломина. Теперь мне интересно обсудить с сеньором Баамонде современные российско-испанские отношения…
А. Баамонде: Конечно, из всех европейских стран Испания – одна из тех, у которой сложились с Россией самые тёплые отношения. Взять хотя бы сферу туризма: всем известно, как у русских популярны путешествия в Испанию, особенно в такие места, как Каталония, Малага, Мадрид.
А если серьёзно, то у Испании с Россией очень интересная история развития отношений. Обычно бывает так, что два правительства устанавливают дипломатические отношения и сотрудничество на этом уровне вроде бы интенсивно, а собственно общение между нациями остаётся немного в тени. Между Испанией и Россией всё происходит совсем не так: наши народы общаются между собой гораздо интенсивнее, чем правительства. Можно сказать, что существует некое взаимное притяжение, стремление узнать друг друга. В конечном счёте это отражается и на высшем уровне.
Санкции, конечно, очень сильно ударили по Испании. Россия занимала важное место как рынок для испанской сельскохозяйственной продукции. И в качестве импортёра высокотехнологичных продуктов Россия тоже для нас много значила. Только-только начали выводить сотрудничество на по-настоящему высокий уровень, как ввели санкции. Испанское правительство, естественно, хотело бы их отмены…
В Испании существуют разные стереотипы о России. Например, о вашей легендарной мафии, которая сильнее, чем мы думаем (смеётся). А отношение к вашему президенту в Испании совершенно особенное! Это какая-то смесь любви и ненависти (смеётся). Мы всегда поражаемся: как можно такую огромную и сложную во всех отношениях страну держать в таком порядке? Для этого нужно быть, наверное, очень сильным лидером. И поэтому мы Владимиром Путиным восхищаемся. Вот в Испании таких лидеров вечно не хватает. То, что мы сейчас наблюдаем – это полный политический провал…
Вы подвели меня к вопросу, который я как раз хотела задать. За 4 месяца сформировать правительство в Испании так и не удалось. На конец июня назначены внеочередные парламентские выборы. Что же будет с Испанией? Какая-нибудь партия сумеет победить на выборах?
Победить однозначно не сможет никто. Пресса часто путает понятия «победить на выборах» и «получить относительное большинство». Победить – значит получить как минимум 50 % голосов. И этого ни одна партия не добьётся. Вот относительное большинство, то есть на несколько процентов больше, чем соперникам, скорее всего, снова достанется Народной партии Рахоя. Но вообще-то ситуация для правящей партии патовая: представляете, что это такое, когда тебе на выборах говорит «нет» 72 % населения? В Испании голосовать за Народную партию или против неё равноценно поддержке существующей системы или её неприятию. А нынешняя система мало кого устраивает, её нужно коренным образом менять. Но в любом случае внеочередные выборы – это очень серьёзно, здесь уже не до шуток. Нужно будет обязательно договориться о формировании правительства. Иначе политическую систему страны ждёт крах. Могут активизироваться разные силы, которые сейчас стоят в стороне. Лучше об этом и не думать.
А верно ли то, что старшее поколение испанцев отдаёт предпочтение Народной партии, а молодые охотнее голосуют за социалистов?
Это верно лишь отчасти. Да, примерно 40 % представителей старшего поколения голосуют на выборах за партию Рахоя, но ещё около 25 % голосуют за Рабоче-социалистическую партию, остальные – за Podemos, альянсы левых сил и т.д. И в то же время многие молодые люди отдают предпочтение Народной партии. Дело в том, что молодые более склонны голосовать против системы, а зрелые люди хотят её постепенно реформировать.
Справедливо ли всё-таки, что Народная партия подвергается такой критике со стороны населения? Ведь со стороны кажется, что Испания сейчас делает успехи. Вот, например, данные об экономическом развитии за 2015 г.: ВВП Испании вырос на 3,2 %, сильнее, чем в любой другой европейской стране…
Дело в том, что это стало возможно благодаря улучшению международной конъюнктуры, а не из-за каких-то правительственных реформ или мер «жёсткой экономии». Например, у нас зафиксирован прирост туристов. Мы монополисты по туризму в Средиземноморье. У нас не так дорого, как в Италии, не так нестабильно, как в Греции, Северная Африка вообще надолго выпала из кругозора путешественника. Но наш туристический сектор рассчитан на, скажем так, рабочий класс. Его можно было бы поднять до более высокого уровня. А экологические последствия от туризма! Иногда это вызывает настоящую катастрофу. И если вы посмотрите на структуру экспорта, то в ней тоже ничего особенно к лучшему не меняется. Поэтому нельзя смотреть на показатели ВВП и восхищаться тем, как в Испании всё удачно складывается. Мы очень уязвимы перед внешней конъюнктурой. Вот в Германии темпы роста меньше, но этот рост связан с технологическим прорывом.
И эта ситуация, кстати, объясняет, почему поток эмиграции из Испании не прекращается. Кто-то однажды заметил: «Мы, испанцы, импортируем футболистов, а экспортируем инженеров»… Хотя в Испании очень талантливая и солидарная молодёжь. Все состоят в каких-то организациях, помогают бедным, устраивают акции в поддержку людей в разных странах мира.
Мы надеемся, что Испания скоро преодолеет все трудности, а российско-испанское сотрудничество будет развиваться по нарастающей. Большое спасибо за беседу, сеньор Баамонде.
Автор: Наталия Клименко
Фото: Алексей Пахомов
[:]
Галерея Классической Фотографии — самое крупное частное музейно-выставочное пространство, ориентированное на ценителей фотографического искусства, 21 апреля отпраздновало свой пятилетний юбилей. Эта дата ознаменовалась открытием выставки «Великие имена. Выходя за рамки предложенного», где представлены работы именитых мастеров: одного из самых впечатляющих фотографов ХХ века Роберта Франка, мастера метафоры Ральфа Гибсона, Илзе Бинг и Жермены Круль – виднейших представительниц женской фотографии начала века, испанского пикториалиста Хосе Ортиза Эшаге и других. Об истории создания Галереи, преимуществах выставки «Великие имена» и о фотографии в России рассказал Марк Коберт, директор выставочного пространства.
Марк, скажите, пожалуйста, как образовалась галерея?
В какой-то момент у группы единомышленников появилась идея создать пространство, где проводились бы выставки, отражающие некий взгляд на фотографию, родилась идея представлять профессиональных фотографов со всего мира, значимые имена, так называемые «голубые фишки», говоря языком биржи. В процессе подготовки родилась концепция – через проекты, не подлежащие сомнению, через шедевры и громкие имена приобщить зрителей разного возраста и художественного вкуса к миру фотоискусства. Плюс к этому – у нас в стране нет фотографического среднего класса, либо супер концептуальные, либо свадьбы. А это, собственно, основа: во-первых, рынка фотографии, а во-вторых, фотографического социума.
Откуда возникла идея сделать такую выставку, приуроченную к юбилею?
Пройти мимо было нельзя, 5 лет как-никак. Концепции никакой нет. Просто были выставки – по ряду причин, что-то уже получилось показать сейчас, а что-то, как, например, Хосе Ортиз Эшаге – ещё будет.
Хосе Ортиз Эшаге. Два друга (слева). Ветер и солнце 1903 (справа).
Что объединяет все картины? Это громкие хорошие имена. Мы попытались осмыслить пикториальную фотографию, от первых образцов до более классических. И Саудека, например, при всей его провокативности, он тоже пикториальный. Потому что это фотографическая живописная история. Есть работа Стеттнера, который правда больше репортажный. Эти фотографии есть сочетания светотональных масс, их ещё называют «куски объектов», которые дают не абстракцию, но некое её подобие.
Поскольку это имена первого ряда за каждым из них стоит такая история и за каждым большая концепция и появление и развитие который автор оставил и вот так вот это рассказать не получится, потому что нужно будет раскладывать по полочкам всю историю XX века.
«У нас в стране нет фотографического среднего класса, либо супер концептуальные, либо свадьбы. А это, собственно, основа: во-первых, рынка фотографии, а во-вторых, фотографического социума»
Есть ли работа, которая вам нравится больше всего и почему?
Занятие фотографией, неважно, снимаешь ты, коллекционируешь или выставляешь, это занятие, подразумевающее глубокую эмоциональную привлеченность. Это не как продавать телефоны, например. Лично меня очень цепляет Мейровиц, мне очень нравится ощущение этих 70-х годов в Америке, хотя я его и так люблю, вне зависимости от атмосферы Америки того времени.
Здесь представлены такие шедевры, что невозможно остановиться только на одном. Выставку Гардуньо вообще нельзя воспринимать отдельными кадрами, хотя там есть классные работы. Понимаете, она в чистом виде повествовательная – вы заходите, просматриваете всё с первой фотографии и заканчиваете последней. Концепция Роберта Франка, созданная в конце 50-х годов, переломившая тенденцию Брессона «решающего мгновения» – картины, где все понятно, вы смотрите и вам ясно, что происходит. Это «табло» – повествование в рамках фотографической серии, когда смотреть на каждую из работ Франка можно, но такого впечатления не производит, как если бы с начала и до конца.
«Лично меня очень цепляет Мейровиц, мне очень нравится ощущение этих 70-х годов в Америке»
У нас ещё есть Юджин Смит, и его знаменитая серия «Сельский доктор». Там нет выдающихся кадров, но они все вместе выстраиваются в историю, ты читаешь и понимаешь. Сегодня уже нельзя так: только родился, встал с утра, пошёл и всё сразу понял.
Есть очень серьёзные люди, которые снимали в «нулевых», вы их просто не воспринимаете – это проблема современной молодежи, вы этим не интересуетесь. Сейчас требуется квалификация во всём – придя в кафе нужно знать, что есть разные виды кофе, например, и так далее. На сайте Метрополитенского музея есть замечательные данные, где рассказано о том, что было, что сейчас и что будет. Сегодня мы говорим с нашим «средним» зрителем как люди с разных планет.
Джон Уимберли. Дюны и горизонтальная рябь. 1979.
Почему нужно посетить эту выставку?
Во-первых, в России очень мало хороших фотографий. Они приезжают и уезжают. Кое-какие оседают в собраниях здесь. Вы можете увидеть фото, которое, может быть, потом нигде и не появится. Во-вторых, эта выставка – возможность увидеть по-настоящему редкие вещи в оригиналах. Несмотря на то что фотография технически воспроизводимый вид искусства, принципиально смотреть эти вещи в оригиналах. Здесь не так много фото, но они достаточно представительны для того, чтобы потратить час своего времени. Наконец, стоит посмотреть на шедевры, хорошую историю, громкие имена и знаковые вещи.
Успеть, безусловно, стоит – выставка продлится до 8 мая! Галерея открыта со среды по воскресенье, с 12:00 до21:00 без перерыва, а понедельник и вторник – входные дни.
Автор: Маргарита Архипова
Фото предоставлены инетрвьюируемым
В мае 2016 года Центральный Дом художника станет центром архитектурной жизни Москвы. С 18 по 22 мая в Центральном Доме художника пройдет 5-я Московская Биеннале Архитектуры – одно из самых заметных событий архитектурной жизни Москвы, которое проводится один раз в два года, параллельно с выставкой «АРХ Москва», и привлекает к участию большое количество российских и зарубежных архитекторов. В рамках Биеннале будут представлены лучшие проекты в сфере архитектуры, городского благоустройства, озеленения и дизайна, с которыми смогут ознакомиться профессионалы и интересующиеся архитектурой.
Куратором 5-й Московский Биеннале Архитектуры, уже по традиции, стал известный голландский архитектор, критик современной архитектуры Барт Голдхоорн. Тема Биеннале 2016 года — архитектура и жизнь.
Центральной выставкой 5-й Московской Архитектурной Биеннале станет ХХI Международная выставка архитектуры и дизайна «АРХ Москва». На протяжении 20 лет «АРХ Москва» является местом, где демонстрируются лучшие образцы отечественной и зарубежной архитектуры, проходят профессиональные дискуссии о принципах развития качественной архитектурной среды. Проект в полной мере отражает последние архитектурные тенденции и способствует развитию технических инноваций, стилевых поисков и экспериментов дизайнерской мысли.
Биеннале проходит под патронатом Правительства Москвы и Комитета по архитектуре и градостроительству города Москвы (МОСКОМАРХИТЕКТУРА). Открытие 5-й Московской Биеннале Архитектуры и выставки «АРХ Москва» состоится 18 мая в 16.00.
Двадцать шестого апреля в одной шумной веселой компании разговор зашёл о датском кино. Многие вспомнили Ларса фон Триера[1], кто-то да упомянул Миккельсена[2], наиболее просвещённые не преминули заметить, что Миккельсенов двое, и они, кажется, играли не только в сериалах. На этом беседующие, в итоге, и разошлись, так и не узнав, что с 20 по 26 апреля в столице прошел ежегодный кинофестиваль «Danish Wave». В восьмой раз. Удивлены? Не удивительно.
«Датская волна» восьмой год подряд представляет москвичам (а несколькими днями позднее – петербуржцам) достижения европейского кинематографа; акцент делается на датских киноновинках, уже отмеченных призами и номинациями мировых кинофестивалей. В рамках «Danish Wave» в столице в разные годы побывали несколько скандинавских режиссёров, в этот же раз, к сожалению, гостей не было. Тем не менее, программа получилась насыщенной и разнообразной – фильмы подобрались так, что каждый заинтересованный зритель смог выбрать историю себе по вкусу.
Трагикомедии «Коммуна» («Kolletivet», 2016) и «Ключ, дом, зеркало» (Nøgle Hus Spejl) пришлись по вкусу тем, кто ищет в кино тесного переплетения юмора и драмы и пристального режиссёрского внимания к внутренним конфликтам персонажей. «Коммуна» – рассказ о семейной паре и «постояльцах» принадлежащего им особняка, оказавшегося слишком просторным для них одних. С приездом в дом друзей история учителя архитектуры, телеведущей и их дочери превращается в историю коммуны – модели общества для режиссера Томаса Витенберга. «Дом, ключ, зеркало», напротив, скорее камерное повествование о пожилых людях, запертых в рамках собственной коммуны ровесников, но не потерявших способность чувствовать жизнь с юношеской остротой. Режиссер Михаэль Ноэр говорит о любви, ненависти, гневе и умении отвоевывать право на полноценную жизнь в любом возрасте и при любых обстоятельствах.
Серьезный зритель, ожидающий от фильмов социальности, злободневности и свежести во взгляде на давно знакомые вещи, оценил картины «Война» («Kringen», 2015), «Идеалист» («Idealisten», 2015) и «Моя земля» («Under sandet», 2015). В центре историй оказываются политика, свобода, войны и человек, пытающийся разобраться в этих понятиях, разделить их на «черное» и «белое» и при этом не запутаться в самом себе. Нельзя уйти от правосудия, нельзя забыть собственное прошлое и отказаться от истории своей страны – вот основные темы этих фильмов.
Показательна история журналиста Поула Бринка, ведущего независимое расследования крушения самолета с термоядерными боеголовками на борту («Идеалист»). Режиссер Кристина Розендаль, возможно, и не дочертила некоторые сюжетные линии, но это не портит общего впечатления от фильма. Менее однозначно можно отнестись к «Войне», при просмотре которой планка априори выше – картина была номинирована на «Оскар» как лучший фильм на иностранном языке. Тобиас Линдхольм, сценарист и режиссер, демонстрирует зрителям историю командира отряда, обвиняемого в непреднамеренном убийстве гражданских в ходе военной вылазки в Афганистане. Зрителю, видевшему войну и мир глазами режиссера, предлагается вынести приговор одному в условиях другого. Отказ от однозначности в пользу балансирования на грани – в итоге «Войну» можно охарактеризовать именно так.
Резко выделяется в этой тройке «Моя земля». Режиссер Мартин Зандвлиет обращается ко Второй Мировой войне; «Under sandet» – в буквальном переводе «Под песком» – это подкоп под историю только что освобожденной Дании, повествование о суровых разгневанных победителях и юных жизнелюбивых побежденных. В мае 1945-го года под командование жесткого сержанта Расмуссена попадает отряд немецких мальчишек, которым предстоит разминировать часть датского побережья. Конечно, мальчишки понемногу мрут, а сержант постепенно к ним привязывается; несмотря на подобную предсказуемость общей канвы сюжета, фильм не лишен неожиданных поворотов. В целом, картина получилась сильной и запоминающейся; на редкость критическое отношение к прошлому своей страны и желание выкопать его из-под песка пусть даже ценой чудовищного взрыва – явный козырь «Моей земли».
Организаторы фестиваля не обошли стороной и любителей детективов. Вниманию российских зрителей была представлена трилогия «Мистериум» – экранизация романов Юсси Адлер-Ольсена, скандинавского прозаика, работающего в жанре «нового детектива». «Мистериум. Начало», вышедший на экраны в 2013-м году под оригинальным названием «Kvinden i buret», «Мистериум. Охотники на фазанов» («Fasandræberne»), представленный зрителям годом позже, и «Мистериум. Тьма в бутылке» («Flaskepost fra P»), показанный в Дании только в прошлом месяце, впервые были продемонстрированы в России совместно и последовательно как цельная трилогия. Главный герой романов Адлер-Ольсена и картин Миккеля Нёргора и Ганса Петтера Моланда – полицейский Карл Мёрк, стоящий во главе отдела Q – отдела нераскрытых дел, от которых отказались официальные власти. Есть в этом что-то от знаменитых «Секретных материалов» – тут и напарники-антиподы, и мистика, и насмешки (правда, зачастую весьма завистливые) окружающих. Решая, стоит ли смотреть «Мистериум», стоит учесть, что это не сказка на ночь и не история охотников за приведениями, а брутальная, действительно жуткая реальность и повествование о том, какие уродливые формы может принимать деятельность отдельных ее представителей. Тем, кого бросает в холодный пот от одного слова «триллер», лучше обойти эти картины стороной; а поклонники такого кино смогут пополнить не только свою коллекцию любимых фильмов, но и список must-read, чтобы потом иметь возможность честно заявить, что в данном случае экранизация ничуть не уступает оригиналу.
Фильм закрытия фестиваля пришлось показывать дважды – попасть на первый сеанс удалось далеко не всем желающим. Это, впрочем, было совершенно ожидаемо; на десерт организаторы Danish Wave приберегли черную комедию Андреса Томаса Йенсена «Мужики и куры» («Mænd og høns», 2015). Рассказ о пятерых нелепых братьях, их загадочном отце, общесемейных увлечениях и странностях удался как удается шалость талантливому хулигану. Роли главных героев достались хорошо знакомым киноману Давиду Денсику, Мадсу Миккельсену, Николаю Ли Каасу, Николасу Бро и Сёрену Маллингу; их дурачества, выполняемые в кадре с полной самоотдачей и откровенным наслаждением, органично совпали с блестящим сценарием Йенсена и его режиссерским видением собственного текста.
Несмотря же на аншлаг, царивший на закрытии, приходится признать, что очередная «Датская волна» схлынула так же тихо, как накатилась; фестиваль прошел практически незаметно для широкой публики. Впрочем, «Danish Wave» — это тот случай, когда широкая популярность не определяет успех. Каждый преданный поклонник скандинавского кино напомнит вам, осторожно прикладывая палец к губам: «Зато, как мы знаем, в тишине лучше слышно».
Автор: Юлия Мейхер
[1] Ларс фон Триер – наиболее известный за пределами своей страны датский режиссер и сценарист, знакомый мировой публике по таким фильмам как «Идиоты», «Меланхолия» и «Нимфоманка»
[2] Мадс Миккельсен и Ларс Миккельсен – датские актеры, хорошо известные вне Дании (Мадс – по фильмам «Охота», «Казино “Рояль”» и телесериалу «Ганнибал», Ларс – по сериалам «Правительство», «Шерлок» и «Карточный домик»)
Уже несколько месяцев еженедельные спортивные новости не обходятся без упоминания клуба «Лестер». Второго мая эта команда выиграла самый зрелищный и дорогой футбольный чемпионат – английский. Мы подготовили ответы на основные вопросы про главную сенсацию европейского сезона.
Почему победа «Лестера» в чемпионате широко обсуждается?
Английская премьер-лига (АПЛ) была основана в 1992 году, она славится своей конкуренцией (каждая команда может выиграть у каждой, и это не штамп), потому считается одной из лучших в мире[1].
Однако несмотря на это до сезона 2015/2016 выиграть чемпионство в АПЛ смогли лишь пять команд, поэтому не было причин думать, что в борьбу за титул в стартующем сезоне способна вмешаться команда, боровшаяся за «выживание» (право остаться в лиге на следующий сезон) только в прошлом году. Для справки: по итогам тридцати шести туров сезона 2014/2015 у «Лестера» было 37 очков (14 место), у выигравшего в результате лондонского «Челси» – 83[2].
Перед стартом нынешнего чемпионата букмекерские конторы принимали ставки на чемпионство «Лестера» 5000 к 1. Даже шансы на то что Папа Римский сыграет за шотландский клуб «Глазго Рейнджерс» были выше (4000 к 1)[3]. Это не казалось удивительным, поскольку «Лестер» вышел в премьер-лигу из чемпионшипа (второй по силе английской лиги) лишь в 2014 году.
Знаменит ли чем-либо футбольный клуб «Лестер»?
Чемпионство 2015/2016 – самое значительное событие в сто тридцати двухлетней истории клуба. До этого высшим достижением «Лестер Сити» было второе место в далёком сезоне 1928/1929. Не везло «Лестеру» и в Кубке Англии – клуб четырежды выходил в финал, но ни разу не смог победить[4]. В основном победы «лис» (прозвище клуба) приходились на вторую по силе лигу Англии. Сравнение достижений «Лестера» с достижениями любого английского топ-клуба было бы некорректно.
В чём секрет нынешнего успеха «Лестера»?
Ни один эксперт или спортивный журналист не сможет назвать точный список причин, почему эта команда выиграла чемпионство, наверное, в этом и заключается основная прелесть феномена нынешнего сезона «Лестера». Но всё же стоит упомянуть основные версии.
Во-первых, все топ-клубы Англии одновременно оказались под влиянием серьёзных проблем. На протяжении сезона 2015/2016 ни один английский гранд, выигрывавший АПЛ («Манчестер Юнайтед», «Манчестер Сити», «Челси», «Арсенал»), стабильно не мог добиться крепкого и уверенного результата. Причины этого у каждого из грандов индивидуальны. В «Манчестер Юнайтед» – большой список травмированных игроков и неудачно выбранная тактическая схема. В «Манчестер Сити» – низкая квалификация защитников и ожидания прихода нового тренера. В «Челси» – конфликты между игроками и тренером. В «Арсенале» – нехватка футболистов на ключевых позициях в центре поля.
Во-вторых, в «Лестере» перед стартом сезона собрались футболисты, у которых многое не получалось в предыдущих командах, а также игроки, никогда не получавшие шанса поиграть в команде премьер-лиги. Например, у немецкого защитника Роберта Хута не получилось толком заиграть ни в «Челси», ни в «Мидлсбро», ни в «Сток Сити». От полузащитника Марка Олбрайтона отказался родной клуб, в который он пришёл ещё юношей, – «Астон Вилла». Наиболее показательной является история лучшего бомбардира команды нападающего Джейми Варди, ещё в 2012 году игравшего в четвертой по силе английской лиге.
В-третьих, стиль игры и график матчей команды. Практически во всех встречах «Лестер» показывал затратный в физическом и эмоциональном плане футбол с предельной концентрацией на протяжении всех 90 минут. Команда не играла в атаку, а отталкивалась от того, что предложит соперник.
«Лестер», в отличие от топ-клубов, не выступал ни в Лиге чемпионов, ни в Лиге Европы, вылетел рано из двух национальных кубков, то есть имел в графике лишь один матч в неделю. Это способствовало поддержанию физического тонуса игроков.
Что за тренер сделал команду чемпионом?
Итальянец Клаудио Раньери. Он тренировал различные команды, начиная с 1986 года, однако ни разу в карьере до «Лестера» не приводил своих футболистов к чемпионству. Самый эпатажный тренер современности Жозе Моуриньо в связи с этим заявлял, что Раньери слишком стар, чтобы изменить свой взгляд на вещи[5].
В июле 2014 года Раньери возглавил сборную Греции. Однако проработал с ней лишь четыре месяца и был уволен, поскольку набрал со своей командой лишь одно очко за четыре матча и умудрился проиграть сборной Фарерских Островов. Эксперты и спортивные журналисты часто называли Раньери неудачником. Однако 13 июля 2015 года он подписал контракт с «Лестером», и многое изменилось.
Располагает к 64-летнему Раньери, среди прочего, его отношение к 96-летней матери. Он регулярно летал навещать её в Рим во время сезона, возможно, она, со своей стороны, давала ему дополнительный импульс мотивации.
Были когда-нибудь похожие истории в английском футболе?
Были, но достаточно давно. В сезоне 1977-1978 году «Ноттингем Форест» выиграл чемпионство в первый же сезон после попадания в высшую английскую лигу. Примечательно, что затем «Ноттингем Форест» два года подряд, в 1979 и 1980, выигрывал Кубок европейских чемпионов, являющийся главным европейским клубным трофеем[6].
Похожая история случилась в сезоне 1961/1962 с «Ипсвич Таун»: они также выиграли свой первый сезон в высшей лиге[7]. Любопытно, что и здесь было продолжение – в 1966 году тренер этого «Ипсвича», Альф Рэмси, выиграл со сборной Англии первый и единственный для этой страны чемпионат мира.
Автор: Александр Пахомов
Источник фото: http://i2.cdn.turner.com/
[1] History of the Premier League // http://www.premierleague.com/en-gb/history/premier-league/.
[2] League Table // http://www.premierleague.com/en-gb/matchday/league-table.html.
[3] Упоротые лисы, или Как чемпионству «Лестера» радовался весь мир // http://riafan.ru/520446-uporotye-lisy-ili-kak-chempionstvu-lestera-radovalsya-ves-mir.
[4] Leicester City FC History // http://www.lcfc.com/club/history/.
[5] «Он слишком стар, чтобы изменить свой взгляд на вещи». Моуринью о Раньери 8 лет назад // http://www.sports.ru/tribuna/blogs/odukhevremeni/940825.html?&hc_method=1.
[6] History of Nottingham Forest // http://www.nottinghamforest.co.uk/club/history/history.aspx.
[7] Ipswich town football club // http://web.archive.org/web/ 20120207091151/http://www.cobboldfht.com/ features/feature1.php.
[:ru]
«Красота на кончиках пальцев» – именно так можно описать ювелирную работу, которую ежедневно проводят в сети маникюрных и педикюрных салонов «Пальчики». THE WALL Magazine рассказывает о партнёре своего Дня рождения!
Что значит быть стильным человеком? Это, прежде всего, умение выразить себя, комбинируя вещи своего гардероба, аксессуары, а также умение выглядеть с иголочки. Аккуратность и опрятность – вот залог успеха внешнего облика. Даже самая модная одежда не всегда позволяет добиться желаемого эффекта. Чтобы произвести впечатление, необходимо помнить о каждой детали своего образа, и ногти – один из важнейших его элементов.
Сеть салонов маникюра и педикюра «Пальчики» выполняет функции бьюти-оазиса, где каждый человек, независимо от гендерной принадлежности, может ощутить комфорт и уют. Главные преимущества «Пальчиков» это:
— высокий профессионализм мастеров, использующих только качественную продукцию и безупречные, гигиенически безопасные инструменты
— умение экономить ваше время (специальное предложение «Все пальчики разом» — маникюр и педикюр всего за час)
— широкий спектр услуг для всей семьи или дружной компании!
Специально для Дня рождения THE WALL, сеть салонов маникюра и педикюра «Пальчики» подготовила подарок читателям журнала! Подробная информация здесь. Если вы не являетесь пользователем социальной сети ВКонтакте – оставляйте комментарии под это записью, мы с вами обязательно свяжемся.
[:]
Кто бы мог подумать, что сегодня мы без стыда можем показаться на людях в пижаме или платье-комбинации, которые когда-то было принято носить исключительно в качестве домашнего или нижнего белья? И правда, модные дизайнеры всё чаще предлагают нам носить столь интимные предметы гардероба, как одежду для повседневной жизни и отдыха. Что это: стремление к комфорту или размывание границ между «модно» и «откровенно»? О том, как бельевой стиль стал одним из главных трендов сезона – читайте в материале.
У истоков
Каталог треста «Мосбельё» на 1936/37 год предлагал «женские длинные комбинации для вечерних платьев и короткие дневные сорочки, отделанные кружевом валансьен, машинной вышивкой, окантовкой, прошивками, цветной бейкой, фестонами». Источник: http://www.mediaport.ua/belyo-sovetov
В начале XX века, когда представительницы женского пола нуждались в удобстве и комфорте, комбинации или сорочки стали полноправными предметами нижнего гардероба. Женщины и девушки, скинув корсеты, надевали сшитые из шёлка и других дорогих тканей комбинации под основное платье. Благодаря такому новшеству, очертания фигуры казались более пропорциональными и сглаженными, а движения ничем не сковывались[1]. Однако вскоре самые смелые начали примерять комбинации и пижамы в качестве основной одежды, и уже в 30-х годах сама Коко Шанель прогуливалась в мужских пижамных брюках, Марлен Дитрих появлялась в комбинациях на светских раутах[2], а в 1960 году Элизабет Тейлор предстала перед зрителями в кружевной сорочке в киноленте «Баттерфилд, 8»[3]. Однако все эти единичные случаи не дали толчка для популяризации бельевого стиля в обществе: во вторую половину XX столетия комбинации почти не носили как нижнее бельё, но и как повседневная одежда они не воспринимались.
Элизабет Тейлор в фильме «Баттерфилд, 8»
На пике моды
Кейт Мосс и Сара Джессика Паркер в платьях-комбинациях. Источник: http://www.2ndspacedublin.com
Итак, настали 1990-е – эпоха супер-моделей, гранжа, минимализма и, конечно же, комбинаций. Именно в конце XX века комбинация окончательно перестала ассоциироваться только с нижним бельём и перешла в ряды полноценных платьев[4]. Ни для кого не секрет, что мода циклична и всё новое – это хорошо забытое старое. Моду на платья, подозрительно напоминающие нижнее бельё, задали Calvin Klein, John Galliano, Gianni Versace и другие Модные дома. В свою очередь, свежий тренд подхватила массовая культура. Такие известные личности как Мадонна, Гвинет Пэлтроу, Наоми Кэмпбелл, Кортни Лав, Кейт Мосс и даже Принцесса Диана выбирали платья-комбинации для выхода в свет на различные мероприятия[5]. Даже на закате 90-х, когда был снят сериал «Секс в большом городе», платья-сорочки не утратили своей популярности. Никто не забыл «голое платье» Керри Брэдшоу[6]?
Принцесса Диана в платье-комбинации. Источник: http://www.vogue.ru
Назад в прошлое
Показы Narciso Rodriguez, Reed Krakoff, Valentino и Rochas. Источник: http://mixclub.org
Несмотря на то, что с конца 90-х до наших дней дизайнеры периодически выпускали на подиумы моделей в пижамах и комбинациях, вторая волна популярности бельевого стиля началась недавно. Модные дома, как и обычно, в поисках вдохновения обращаются к прошлому. Действительно, почему бы не вписать сорочки и расслабленные костюмы-двойки в сегодняшний образ жизни? Удивительно, но тренд прижился как среди celebrities, так и в массах, и остаётся актуальным вот уже несколько сезонов подряд. Значит ли это, что общество стало более развращённым? Безусловно, каждый воспринимает модные тенденции по-своему. Однако стоит отметить, что сегодня многие модные дизайнеры предлагают нам модифицированные, не похожие на прежние, предметы бельевого стиля. Например, платья-комбинации варьируются в длине и шьются не только из шёлка, но и из шерсти, трикотажа или металлизированных тканей. Кроме того, бренды No. 21, DKNY, Alberta Ferretti и Courrèges на своих показах демонстрируют, что платье-комбинация будет смотреться уместно и модно вместе с обычной футболкой или блузкой[7].
Показы No. 21, DKNY, Alberta Ferretti. Источник: http://www.vogue.ru
По сравнению с сорочками, шёлковые пижамы остаются верны классике и практически не подлежат изменениям. Однако и тут Модные дома подсказывают решение. Чтобы чувствовать себя увереннее, костюм-двойку носите раздельно с одеждой другого стиля, или поверх повседневного образа небрежно накиньте шёлковый халат[8].
Показы Dolce&Gabbana, Thakoon, Alexander Wang. Источник: http://www.elle.ru
И вдруг возникает вопрос: пристойно ли носить настоящие пижамы и комбинации из магазинов нижнего белья в качестве обычной одежды? Безусловно, решение смелое и необычное. Но, как ни странно, многие модные издания и it-girls рекомендуют поступать именно так, если ваш бюджет не позволяет купить платье от Saint Laurent и нормально жить, а не выживать в течение оставшихся дней месяца[9].
Показы Chloe и Ralph Lauren. Источник: http://www.vogue.ru
Носить или не носить – вот в чём вопрос. Казалось бы, как можно выйти на улицу в сорочке или пижаме и не ловить на себе удивлённых взглядов прохожих? Выходит, что сегодня возможно всё. Конечно, представители старших поколений вряд ли воспримут такую модную тенденцию адекватно, однако сегодня бельевой стиль по праву стал уместным. В конце концов, только вам решать, стоит появляться в таких туалетах в обществе или нет. Главное – не забыть чувство самоиронии и уверенности в себе где-то в шкафу.
Автор: Мария Шульговская
Источник фото: http://grass.in.ua
[1] Tanisha Wallis. Haute Historian: Slip Dresses – From Undergarments to Delicate, Simplistic Dresses. 16.09.2013. Second City Style //
[2] Дарья Волкова. На голое тело. 10.02.2016. Lenta // https://lenta.ru/articles/2016/02/10/pijama/
[3] Платье-комбинация – главный тренд моды уходящего и наступающего года. 30.12.2015. Vogue // http://www.vogue.ru/fashion/trends/plate_kombinatsiya_glavnyy_trend_mody_ukhodyashchego_i_nastupayushchego_goda/
[4]Ближе к телу: платья-комбинации в тренде. 12.11.2015. Glamour // http://www.glamour.ru/fashion/trends/585696/
[5] Jenny Bahn. 5 times the 90’s slip dress made fashion history. 15.04.2016. WhoWhatWear // http://www.whowhatwear.co.uk/slip-dresses-fashion-history-courtney-love-kate-moss/
[6] Анна Волгушева. Бельевой стиль: с подиума в ваши гардеробы. 24.01.2016. Trendspace // http://www.trendspace.ru/blogs/19196/
[7] Бельевой стиль в одежде. Журнал Милитта // http://mylitta.ru/2417-slip-dress.html
[8] Полина Лигачина. Тренд сезона: пижама-пати. 04.04.2016. Elle // http://www.elle.ru/moda/trendy/trend-sezona-pijama-pati/2/
[9] Даша Веледеева. Тренд сезона: как носить платье-пижаму. 11.03.2016. Grazia // http://graziamagazine.ru/blog/veledeeva_blog/dasha-veledeeva21/
В современном мире существует разнообразие направлений в одежде как у женщин, так и у мужчин. Стиль, считающийся в наши дни классическим, во времена своего формирования также поддавался волнообразным наплывам, изменяющим структуру покроев в одежде. Поддавались изменениям отдельные элементы, которые в дальнейших сезонах представлялись в больших вариантах выбора для любителей классики.
Сегодня многие знают, что идеально подобранный костюм, рубашка, галстук и правильная обувь – это основные элементы классического мужского стиля, которые можно комбинировать с различными пальто и другими видами одежды, дополняя существующую базу и играя с ней. Никто, конечно же, не умаляет важности аксессуаров, которые вносят разнообразие в образы: это и часы, и нагрудные платки, перчатки в холодное время года, запонки, порой подтяжки – и это лишь малый список вещей, создающих идеальный классический мужской стиль. Однако мало кто задумывается, откуда он берёт свои истоки, какие он потерпел изменения и почему предстал перед нами тем стилем, который мы видим сейчас.
Классический стиль формировался на протяжении очень долгих лет. Само слово «классика» происходит от латинского слова «classicus», в переводе означающее образцовый. Для классики свойственна сдержанность и подчеркнутая пропорциональность. В ней обязательно отсутствуют нефункциональные детали и остромодные элементы. [1] Многие считают, что классический мужской стиль, а в частности костюмы, зародились в Англии, ведь именно эта страна ассоциируется у нас к эталоном мужского сдержанного и благородного стиля. Однако история восходит к совершенно другой эпохе. Возникновение самых первых костюмов относят ко временам Крестовых походов в XIV веке, когда, конечно, их вид был совсем иным. Крестоносцы, возвращаясь из восточных стран, привезли в Европу кафтаны на пуговицах, ставшие частью модного гардероба знати, выделявшей её как среди простолюдинов, так и между собой, ведь уже тогда кафтаны начали шить в разных цветовых гаммах. Постепенно они улучшались и стали дополняться новыми элементами одежды, например, фраками.
Во Франции XVII века, во времена правления всем известного Людовика XIV, костюмы были распространены повсеместно у всего придворного окружения. Мужской костюм представлял собой уже удлиненный пиджак-кафтан до колен. Такой кафтан имел две широких полы сзади и приталенный чёткий силуэт. [2] Мода на яркие фраки стала уходить – теперь их место заняли нейтральные чёрные. Фраки переходят из категории праздничной одежды в одежду на каждый день, становятся более функциональными. Зародился так называемый «дресс-код», то есть определённые наряды предназначались для конкретных событий.
Уже к XIX веку костюмы начали приобретать единообразный крой, в обществе стали появляться и вырабатываться конкретные правила, как нужно носить тот или иной тип одежды. Причинами, повлекшими за собой появление единообразия в классическом стиле, были, с одной стороны, распространение стандартизированного производства одежды, а с другой – влияние войн, где требовалась единая форма, которая уже приобрела к тому времени обличие мундиров.
В Великобритании в XIX веке Джордж Браммел стал создателем строгого мужского костюма, похожего на современный тип. Он состоял из тёмного фрака, белой рубашки, светлого жилета, брюк, высоких сапог и светлого шейного платка. Эта простота и строгость в костюме кардинально отличала классический стиль от предыдущих эпох, наполненных яркими и разнообразными фактурами.
Начиная с конца XIX века – начала XX века появляется новое изменение в мужских костюмах: если раньше цвет брюк отличался от фрака, то теперь появились «костюмы- тройки», состоящие из брюк, жилета и пиджака, сшитых из одной ткани одного цвета. Начало XX века – это эпоха формирования того самого классического стиля, который мы привыкли видеть. Начинают становиться важными детали в одежде: застёгнутые запонки, например, потому что такие аксессуары надеты вместе с костюмом. В XX веке формируется образ джентльмена, характеризующийся манерой держаться в обществе, аккуратностью и благородством. Дресс-код, возникший в связи с разделением одежды по сферам применения, в этот период усилил отличие «правильно» одетого мужчины от других представителей общества. Начинают складываться три основы правильного классического мужского костюма – покрой, цвет и ткань. Этот порядок установлен по уровню важности. Самым значимым является покрой – он определяет весь костюм, в котором должна присутствовать естественность и подчёркнутые свойства мужской фигуры. Цвет важен по отношению к событиям, а ткань дополняет показатель статуса владельца. [2]
В ХХ веке изменения в классическом стиле касались кроя пиджаков и брюк, например, в 20-х годах брюки были укорочены, потом вновь вернули классическую длину. Но стоит отметить, что каждый виток десятилетий мужской классический костюм и классический стиль, претерпевшие небольшие изменения, являются отражением своей эпохи, особенно в ряде социалистических стран: в 70-е годы появились фланелевые костюмы-тройки, а в 80-е на пике было показание дороговизны костюма, которая выражалась в более дорогой и редкой ткани. Эти волнообразные перемены миновали спокойно развивающийся рынок капиталистических классических костюмов. [2] Однако «бунтарские всплески» были недолгими: после этого в обществе снова стали отдавать предпочтение классическому костюму, появившемуся в начале XX века.
Сегодня мужской классический костюм представляет собой разнообразие вариаций кроя, фактуры и цвета. Костюм за счёт своеобразных цветовых решений и использования аксессуаров приобретает индивидуальные очертания, не выходя за рамки уже существующих канонов.
Как же нужно сочетать цвета при выборе галстука или других элементов одежды? В связи с огромным количеством существующих на сегодня в доступе цветовых гамм возникает, с одной стороны, сложность в выборе, а с другой – полёт фантазии.
Не зря говорят, что итальянцы – законодатели моды. Например, яркий итальянец Андреа Лупарелли, владелец ателье Ripense, говорит о том, что «главное – это вкус и пропорции. То, что будет выглядеть хорошо на одной фигуре, покажется смешным на другой. Например, укороченный пиджак на мужчине с длинным ногами и более коротким телом будет смотреться нелепо». Аксессуары играют немаловажную роль. По его словам, главный аксессуар любого образа – это обувь, под которую подбирается и ремень, и ремешок на часах. Андреа любит отдавать предпочтение ярким галстукам и нагрудным платкам, но главное – помнить, что галстук не должен совпадать точь-в-точь по цвету и узору с нагрудным платком. Как говорит сам Андреа: «галстук стоит подбирать не к платку, а к носкам. С классическим костюмом я ношу только тёмно-синие или бордовые носки». Всегда стоит помнить о запретах. которые также существуют в классическом стиле. Во-первых, это белые носки, во-вторых, длинные рукава пиджака. «Рукав пиджака должен быть на 1 сантиметр короче рукава рубашки, так, чтобы из-под него был виден манжет сорочки» – говорит Андреа.
Чтобы не утонуть во всем многообразии фасонов костюмов, огромном количестве вариантов обуви и тканей, существует множество советов модникам, в частности, визуализированных. Тут есть замечательная инфографика по всем категориям, начиная от подбора пиджака, цветовых композиций, заканчивая практическими советами и основными табу.
Автор: Ксения Пелевина
Источники: