THE WALL

[:ru]В главную культурную ночь города наши партнёры предлагают вам насыщенную программу.

День и ночь Музеев в «Булгаковском Доме»
21 мая – 22 мая «День и ночь Музеев»

В эту ночь посещение музеев будет бесплатным и состоится ряд программ, на которые можно будет попасть по записи. Прошлые годы происходил огромный ажиотаж среди посетителей, которые были приятно удивлены, что «Булгаковский Дом» работал до шести утра. До открытия метро посетители могли знакомиться с экспонатами музея и булгаковской Москвой. Господин Коровьев-Фагот вёл экскурсии по музею, а трамвайчик «302-бис» курсировал по маршруту, где можно было увидеть МАССОЛИТ, особняк Маргариты, Патриаршие пруды и другие места, связанные с Михаилом Булгаковым и его произведениями. А настоящим везунчикам удалось увидеть Берлиоза, который искал в музее и его окрестностях свою голову.

21 мая «День музеев»

С 01-00 ночи до 06-00 утра. Ночная автобусная экскурсия «Мистическая Москва, или территория призраков»В 12-00 Открытие выставки «Мастер и Маргарита» Николая Королева
С 13-00 до 16-00 — Экскурсии по музею «Булгаковский Дом»
В 13-00 — Спектакль «Сказка о рыбаке и рыбке» режиссера Ларисы Маркиной. Спектакль-лауреат ГРАН-ПРИ IV Всероссийского фестиваля «Театр. Дебют. Ялта» (2016), обладатель диплома «За единство сценарного, режиссерского замысла и высокое профессиональное мастерство.
В 13-00 — Экскурсия на Трамвае «302-БИС» — Булгаковский Дом и «нехорошая квартира»

С 21 на 22 мая «Ночь музеев»

С 17-00 до 06-00 утра – Экскурсии по музею Булгаковский Дом
С 18-00 до 06-00 утра – Экскурсии на Трамвае-302 «Булгаков и его эпоха» каждый час.
С 19-00 во дворе «Булгаковского Дома»:
— Музыкально-Инструментальный вечер
— Фотозона с использованием персонажей Булгакова совместно с телеканалом ТВ3
— Раздача сувенирной продукции
С 21-00 до 22-20 — ГБУК города Москвы «Культурный центр «Лидер» представляет: Шоу света на сцене театра им. Булгакова. Шоу поинг группы «Сова» – это всегда яркое и незабываемое зрелище такое же таинственное, как и атмосфера булгаковских произведений.
С 01-00 до 06-00 утра ночная автобусная экскурсия по следам романа «Мастер и Маргарита».
С 22-00 до 06-00 утра в театре Булгакова:
— Ночной кинопоказ
— Отрывки из произведений М. А. Булгакова

22 мая

– 15:00, 17-00, 19-00 – Экскурсия на трамвае «302-бис» «Булгаков и его эпоха»
– 19:00 – Спектакль «Дни Турбиных», режиссер Т. Марек

Заказ билетов по телефону: 8 (495) 970-06-19

Ночь в ММОМА

В эту Ночь музеев ММОМА предлагает гостям посетить четыре площадки: Гоголевский бульвар 10, Тверской бульвар 9, Большую Грузинскую 15, Ермолаевский 17. Только в этот вечер, 21 мая, гостей Музея, посетивших три площадки, ждут небольшие сюрпризы от ММОМА и партнеров акции. А пять авторов лучших фото с Ночи Музеев в ММОМА получат памятные арт-призы, участникам важно не забывать ставить хештэг #ночьвммома!

Команда ММОМА рекомендует начать свое путешествие по Ночи в ММОМА со здания на Гоголевском, 10. Здесь будут открыты три экспозиции: «Самара. Далее везде. Россия в произведениях Юрия Филиппова», «Борщ и шампанское. Избранные работы из коллекции Владимира Овчаренко» и «Быстро. Без давки и паники» Алины Озеровой. В первом дворе музея гостей ждут оригинальные закуски из дровяной печи и летний борщ от команды NAPRIZZEPE, а также уникальное шоу пиццайоло: с 19:00 посетители увидят так называемую пицца-акробатику. Второй двор музея наполнится ароматом отличного кофе от WEST 4 и горским духом: гости ММОМА смогут попробовать и забрать с собой уникальные осетинские сыры и натуральные сладости от проекта Chizzi shop.

С 19:00 во дворе музея пройдет интерактивный перформанс Мастерской «ВОЗДУХ», где танцоры и музыканты будут воплощать на импровизированной сцене самые смелые фантазии зрителей. Здесь произойдет встреча пластической импровизации и повседневной жизни. После этого в 19:50 зрители плавно перейдут в пространство выставки «Борщ и шампанское», где артисты поделятся чувственным опытом, передаваемым через пластические этюды, порой вступая во взаимодействие с посетителями и приглашая их погрузиться, соприкоснуться с миром современного искусства. Персональные истории зрителей — впечатления от выставки, переживания, воспоминания, события, сны, а также личный опыт и отношение исполнителей к конкретной теме — все это обретет форму и воплотится в телесной и музыкальной импровизации.

Посетители Гоголевского, 10 получают фирменную наклейку ММОМА. Весь вечер на выставке «Борщ и шампанское» наши ask me экскурсоводы будут рассказывать об искусстве; в 19:00 пройдет авторская экскурсия Егора Кошелева (необходима предварительная регистрация), а в 20:00 и 22:00 — обзорные экскурсии по выставке.

В ММОМА на Тверском бульваре, 9 гости смогут совершить путешествие по выставке «Одноэтажная Америка», а в 22:00 вместе с научным куратором проекта Марией Котовой — узнать подробности знаменитой поездки Ильфа и Петрова. Перед посещением выставки (а, может быть, и после) загляните на сайт сети книжных магазинов «Читай-город»: вас ждет подборка книг, связанных с «Одноэтажной Америкой». Кроме того, на всех площадках ММОМА гости вечера получат сертификаты на скидку 15%, которой можно будет воспользоваться в трех магазинах сети – на Сухаревской, в ТЦ «Европейский» и на Тульской. И не забудьте здесь взять фирменную наклейку ММОМА.

Авторская экскурсия пройдет и в ММОМА в Ермолаевском переулке, 17. Художник Вита Буйвид расскажет о своей первой ретроспективной выставке «Моя любовь не струйка дыма». Предварительная регистрация обязательна. В здании Музея возьмите свою третью наклейку и отправляйтесь в Бистро Ess-Thetik на Малой Бронной, 20 стр. 1, где первых сто обладателей трех фирменных наклеек ММОМА будет ждать бесплатный горячий кофе. Для тех, кто хочет подкрепиться чем-то полезным, также есть вариант: покажите три наклейки в магазине AllFoods в Спиридоньевском переулке, 11 и получите стаканчик с фруктами.

На Большой Грузинской, 15 весь вечер будут проходить сборные экскурсии по экспозиции Зураба Церетели. А также ММОМА объявляет конкурс на лучшее сэлфи в окружении скульптур З. К. Церетели: выкладывайте фото в инстаграм с хештэгом #ночьвммома. Победителю – подарок от самого мастера.

Государственный музей Востока приглашает на «Ночь музеев»

На выставке-фестивале «Ночь» весь вечер будут ставить музыку московские диджеи, коллекционеры и энтузиасты электронной музыки Дмитрий Игнатьев и Павел Балашенко (Дмитрий Игнатьев – редактор и соучредитель российской версии всемирно известного журнала «Mixmag». Павел Балашенко – соучредитель московского издательства «Белое яблоко»).

Гостей музея ждёт выступление иранского коллектива «Мехрабанан» под руководством музыканта-мультиинструменталиста Хамида Реза Даду.

Музыкальную тему продолжат концерты этнической перкуссии «AfroDrum», а также японской флейты сякухати.

[:]

Воспринимаете ли вы всерьёз современную литературу? Постарайтесь ответить честно, не задумываясь. К сожалению, вероятность отрицательного ответа довольно велика, и тому есть очевидные объективные причины. Для того, чтобы лишний раз убедиться в их наличии стоит просто зайти в первый встретившийся на пути книжный магазин. Что мы видим: горы мотивирующей литературы, лайфхаки для активизации скрытых резервов, безотказно работающие рецепты, позволяющие в одночасье сделаться миллионером, книги о похудении, боди-позитиве и любви к себе, лав-стори со счастливым концом и множество фантастики о магии, появившейся после оглушительного успеха истории о Мальчике, Который Выжил. Настолько обширный выбор книг, большинство из которых, скорее всего, недостойно внимания читателя, может ввести в состояние растерянности даже того, кто знает, за чем пришёл.

Обособленно от всего этого многообразия находится автор, в последнее время абсолютно заслуженно приобретающий всё большую популярность. Автор, которого называют современным классиком, а его произведения предлагают ввести в школьную программу. Захар Прилепин – прозаик, публицист, лауреат множества литературных премий, политический деятель, телеведущий, музыкант и просто интереснейший человек. В марте 2016-го года публике была представлена новая книга «Семь жизней» – сборник ранее не опубликованных рассказов. По словам автора «„Семь жизней“ – как тот сад расходящихся тропок, когда человек встаёт на одну тропку, а мог бы сделать шаг влево или шаг вправо и прийти… куда-то в совсем другую жизнь? Или другую смерть? Или туда же? Эта книжка — попытка сходить во все стороны, вернуться и пересказать, чем всё закончится». Итак, Захар Прилепин: вспоминая о прошлом, заглядывая в будущее.

Здравствуйте, Захар! За 11 лет вашей писательской карьеры вы написали более 15 книг (романов, повестей, эссе) и 10 антологий и сборников. Как вам удается работать на такой высокой скорости без потери качества, оставаясь при этом медийной персоной, политическим деятелем, музыкантом, телеведущим?

Здравствуйте, Аня (смеётся). Ну, не знаю про качество, надеюсь, что это действительно так. Вообще говоря, это не очень много, тем более, если человек имеет возможность заниматься только этой профессией. Одна книга в год – это вполне по силам человеческим, если ты знаешь, о чём ты хочешь сказать, о чём ты хочешь написать. Одна книга, одна антология – ничего сверхъестественного нет. Если бы я ещё другими вещами не занимался: всевозможными журналистскими, кинематографическими, гуманитарными и телевизионными проектами, то это вообще было бы смешно. На самом деле, скажем, Дмитрий Быков пишет больше, чем я, Пелевин пишет больше, чем я, Горький, Бальзак и Лев Николаевич Толстой написали настолько больше, чем я… Это вообще во многом вопрос работоспособности: некоторые медленно работают, совершают какие-то ритуалы, просто потому что человек так устроен, и в этом нет никакой его вины, а другие работают быстро. Я просыпаюсь в 8 утра, в 8:10 я открываю ноутбук и уже пишу. Я живу с одной женщиной, я переношу алкоголь легко, не болею, ни так, ни с похмелья, тьфу-тьфу (смеётся), у меня нет дурных привычек, я ничего не коллекционирую, ничем не дорожу, и поэтому у меня есть только мои мысли, есть одержимость историей моей страны и литературы, и я занимаюсь тем, что мне легко даётся, и тем, что мне приносит удовольствие.

В своих интервью вы неоднократно говорили о том, что несмотря на то, что вам приписывают множество различных сфер деятельности, вы, в первую очередь, писатель. Всегда ли присутствовала эта уверенность в том, что ваше призвание – именно литература?

Нет, конечно, я не всегда это понимал. Более того, лет до 28 я вообще об этом не думал, потому что я занимался разными вещами: работал в ОМОНе, женился, у меня родился первый ребёнок, потом я начал работать в журналистике. Первую книгу начал писать совершенно случайно, просто так, от какого-то чувства наивного, что я родил сына, начал строить дом, вот напишу книгу, будет у меня ещё и книга своя. Закончил я её писать где-то в 29-30 лет, и совершенно неожиданно получилось, что она оказалась востребованной, её перевели на иностранные языки, мне дали какую-то премию, и я подумал, что, наверное, я напишу вторую книгу, раз так хорошо пошло. Вот и всё. Я, может быть, был убежден в том, что я писатель (даже не писатель, а поэт) лет в 14-15, когда был юный совсем, сочинял стихи, песни. Правда, это очень быстро прошло: я начал качаться и с 16 лет вообще об этом не задумывался больше ни разу до 28 лет. Но книжки я продолжал читать в огромном количестве, в том числе, когда в ОМОНе работал: я много читал, и меня за это мои сослуживцы очень уважали. Вернее, поначалу, когда я пришёл в ОМОН, я, естественно, ничего не читал, потому что могли неправильно понять, а потом, когда я уже стал командиром отделения, стал много читать. Все говорили: «Ооо, у нас Прилепин самый умный!».

Первый же роман «Патологии» стал финалистом нескольких литературных премий и получил статус Национального бестселлера. Повлияло ли это каким-либо образом на вас? Вселило уверенность, что вы на своём месте или, напротив, добавило груз ответственности и установило некоторую высокую планку для дальнейших произведений?

Никакого груза ответственности я не испытывал. Только немного, помню, на день или на полтора меня переклинило, и я подумал: «Вот это да! Вот это я даю!», некоторую гордость испытал. Провинциальный мальчик всё-таки, дворняга, поэтому всё это на меня подействовало, но очень быстро прошло, потому что Господь оказался милостив ко мне, и Он мне не дал этой удачи, не дал этого в 18 лет или в 23. Я бы, может быть, тогда впоследствии планку и уронил, как это сегодня называется. Когда молодым людям такие удачи даются, я всё чаще замечаю, они с ними не справляются. А мне было 30 лет, я уже был взрослый мужик, у меня родился второй ребёнок, я успокоился, и с тех пор я просто работаю, к этому отношусь с большой долей иронии, и большой долей скепсиса. Я прекрасно знаю своё место, знаю свою цену, и не переоцениваю себя, но и не недооцениваю тоже. Представление об иерархиях у меня в армейском смысле есть: я понимаю, кто такой Прилепин, кто такой Лев Толстой, кто такая Улицкая, например. Поэтому нечего тут больно кривляться, и ничего изображать из себя не стоит.

«Я прекрасно знаю своё место, знаю свою цену, и не переоцениваю себя, но и не недооцениваю тоже»

Вообще такое количество премий, на ваш взгляд, положительно или, напротив, отрицательно влияет на ваш имидж в глазах читателя? Делает вас для многих маст-ридом или создает налёт такой нарочитой распиаренности?

Новости живут сейчас, полторы-две, максимум – три недели, и про эти премии знает только какая-то определенная часть моих литературных недоброжелателей и завистников. Вот они знают, что я получил 10 или 15 премий, а люди не знают. Если спросить у них – 99 % не знают ни о чём, а знают только библиотекари, которые, когда ищут, кого пригласить, смотрят Википедию, и это большое количество премий на них влияет, а также, возможно, на людей из мира чиновничества. Это влияет на продажи книг, когда дают очередную премию, сразу же выходит 150 новостей, люди видят какую-то фамилию, идут и покупают книжку. Уже потом, когда проходит время, в каждой статье пишут, что я лауреат Русского Букера, а я не лауреат Русского Букера и никогда его не получал. Ну и так далее, какие-то вещи мне приписываются, которых вообще никогда у меня не было. Ну и всё-таки премии посыпались на меня с третьего года работы, а не с первого, поначалу я только мимо пролетал. В общем, это нормально: для продаваемости хорошо, да и для душевного здоровья хорошо, если ты уже взрослый человек. Если ты молодой, ты можешь не пережить первый успех, и такое случается. Хочешь убить молодого писателя – дай ему премию.

«Ну и всё-таки премии посыпались на меня с третьего года работы, а не с первого, поначалу я только мимо пролетал»

В предыдущих интервью вас уже спрашивали о вашем отношении к ярлыку «модного писателя». В последнее время этот статус очень быстро и небезосновательно разрастается. Как вы к этому относитесь, и не изменилось ли ваше мнение?

Это опять же для тех людей, которые находятся внутри литературного мира. Для них я «модный писатель», а так нет никакого «модного писателя». Модными писателями были братья Стругацкие или Юлиан Семёнов, которые продавали по 30 млн. книг. В России с нынешними тиражами никого по сути нельзя назвать модными писателем. Я, например, продал 200 тыс. бумажных книг «Обители», это была самая продаваемая книга в России и самая читаемая книга во всех Московских библиотеках. Но 200 тысяч в масштабах страны… Даже если сюда же отнести аудио диски и электронные книги, ну, получится, что её полмиллиона прочитало, но полмиллиона – это тоже ничего! Вот, например, когда «Дети Арбата» Анатолия Рыбакова выходили, тираж был 12 млн., то есть каждый десятый читал эту книжку, а сейчас не о чем и говорить. Просто существует некий элемент телевизионного присутствия, потому что я телепрограммы веду, и, например, одну программу на РЕН-ТВ видит людей больше, чем вся аудитория моих книг за 10 лет. Ну, модный… В тех масштабах, которые сегодня есть, наверное, модный…

Что же касается вашей любимой литературы; есть ли произведение, которое, на ваш взгляд, обязательно к прочтению, любимое произведение, которое существенно на вас повлияло или, по крайней мере, сильно впечатлило?

Обязательным к прочтению я ничего не считаю, но на меня очень сильно повлиял писатель Гайто Газданов и его книга «Вечер у Клэр». Это, наверное, моя самая любимая книжка на Земле. Там есть какое-то душевное облако, удивительная атмосфера, удивительные вещи, которые таинственным образом на меня влияют. Это просто прекрасная, волшебная, неизъяснимая литература. Не могу это объяснить и даже не буду пытаться.

Прочитав кроме, непосредственно, книг некоторое количество рецензий на ваши произведения и объединив их в единый образ, я получила что-то вроде «настоящий мужик, не с подкатанными джинсами и смузи в руках, а брутальный, мужественный, харизматичный, довольно жёсткий, при этом искренний, тонкий, нежный, поэтичный». Что вы думаете об этом сложившемся образе? Соответствует ли он тем задачам, которые вы ставили перед собой; отражает ли то, что хотели донести до читателя?

Вы знаете, я не создаю свой образ, и если он вот такой у кого-то сложился, то, наверное, это хорошо. У меня вот кофта, купленная во Франции, джинсы тоже французские, рубашка дорогая, часы в Duty free я купил, при этом, конечно, Иван Ургант одет в 30 раз дороже, чем я. Поэтому я не очень понимаю, где там градация, между парнем с закатанными джинсами, который одевается в бутиках, и простым русским мужиком. Нет никакого конкретного понятия, человек не может быть как вот чашка какая-нибудь, он в разных ипостасях представляется. Эти образы вообще в начале создаются, а потом их кто-то начинает пытаться развенчать и преодолеть. Допустим, были супер харизматичные писатели вроде Хемингуэя, и сначала были книги про него, где он воспевался как охотник, рыцарь, солдат, партизан, а потом начался целый поток книг, развенчивающий такого Хемингуэя. То же самое с Маяковским: сначала он главарь, горлопан, руководитель, а сейчас Маяковский – невротик, психопат, растерянный и жалкий. И вообще, чем больше будешь доказывать свою брутальность, тем больше будет желающих потом подойти и ткнуть тебя длинной иглой, поэтому я оставляю все эти вещи на откуп тем, кто про эти образы пишет.

Если говорить о предложении включить ваши произведения в школьную программу, то какую бы из ваших книг вы первой сделали обязательной к прочтению школьникам и почему?

Я за то, чтобы включить. В школьную, в университетскую и во все остальные программы. С какой начать – это дело учителей, пусть они сами разбираются.

Кто для вас является главным критиком? Возможно, человеком, которому вы первому даёте прочитать рукопись будущего романа, мнением которого интересуетесь, к чьим замечаниям прислушиваетесь?

Жена моя. Вы, я вижу, об этом знаете.

Насколько я знаю вы являетесь папой четверых детей, причём старший уже довольно взрослый? Читает ли он ваши произведения?

Старший – Глеб, 18 лет ему. Да, читает постоянно. Сегодня вот зашёл к нему в комнату, у него лежат три мои книжки, он их читает сразу, а потом перечитывает периодически, не знаю, с какой целью. Он вообще всё читает, у него там кроме трёх моих лежали ещё Воннегут, биография Есенина, Овидий, Маяковский и Рыжий. Он, как и я, читает книжек 5-7 одновременно.

Беседуете ли вы с ним о ваших произведениях?

Нет, никогда. Я впервые прошлым летом поймал себя на мысли, что никогда не спрашивал у сына, читал ли он мои книги, и нравятся ли они ему. Ему было 17 лет, и я спросил: «Глеб, слушай, а ты читал мои книги?», он говорит: «Да, читал», «Ну и как? Тебе нравится?», он говорит «Да». Ну и больше я не спрашивал, ни у кого не спрашивал, ни у матери, ни у сестры, с женой вот разговариваю время от времени.

В дополнение к весьма внушительному послужному списку, нет ли у вас в планах получить статус киноактёра?

Чтобы планы какие-то строить, надо дар иметь определенный. Ну, я вот через 3 дня поеду сниматься в кино в главной роли, может получится.

И когда нам ожидать выход картины?

Это мой первый съемочный день, когда ожидать…Через год, может быть, через два, может быть, никогда, может, они меня выгонят просто, скажут: «Уходи отсюда!» (улыбается).

Ну и, наверное, самый банальный вопрос, который можно задать писателю – что нам, читателям, ожидать от будущей книги, и когда вы планируете её выход?

Новая книжка будет через месяц, она уже выходит, она уже написана. Книжка будет называться «Всё, что должно разрешиться», она об опыте моих поездок на Донбасс, я работал помощником Александра Захарченко – главы ДНР, и там в основном разговоры с этими людьми, с Захарченко, с Моторолой, с ополченцами, потому что они сейчас откровенные все и говорят много вещей, которые они потом не скажут вслух. Я это записал, и будет такая книга. А ещё я пишу такую публицистическую, не художественную литературу, будет называться «Взвод. Офицеры и ополченцы русской литературы» – это биографии воевавших поэтов и писателей 19 века. То есть мы, как правило, помним про Дениса Давыдова, Лермонтова и Толстого, а их там гораздо больше, и есть совершенно героические персонажи, такие, о которых надо снимать фильмы, и вся бы страна ими гордилась. Плохо мы знаем биографии. Там есть совершенно уникальные поручики, дуэлянты, вояки, поэтому я решил восполнить этот пробел и написать небольшие цветастые эссе о персонажах, которые мне наиболее симпатичны.

Спасибо большое, Захар, за то, что нашли время, а также за интереснейшую беседу!

Автор текста: Анна Радионова

Фото: Дарья Жаркова

2016 год запомнится как время, когда киноадаптации легендарных комиксов почти целиком сосредоточились на сюжетах о «гражданских войнах» внутри хрупкого сообщества супергероев: так, мы уже увидели столкновение Бэтмена и Супермена в картине Зака Снайдера, конфликт Железного Человека и Капитана Америки в ленте «Первый Мститель: Противостояние», а также схватку Карателя и Сорвиголовы во втором сезоне сериала о слепом адвокате-супергерое. Но, как ни странно, более интересным и дальновидным оказался проект «Люди Икс: Апокалипсис» Брайана Сингера, который пошел по другому пути и смог предложить несколько интригующих новых идей для жанра кинокомикса.

Действие девятой по счету экранизации комиксов о Людях Икс разворачивается в 1983 году. Один из древнейших мутантов на Земле, носящий имя Эн Сабах Нур или Апокалипсис, возрождается после пары тысяч лет заточения в подземной пирамиде Египта и, разочаровавшись в современном человечестве, решает его уничтожить, сохранив жизнь только генетическим собратьям-мутантам. Для этого Эн Сабах Нур привлекает на свою сторону сильных мутантов, которые, по аналогии с библейским прототипом, становятся Четырьмя Всадниками Апокалипсиса. Плюс к этому, злодей избавляется от всего ядерного потенциала землян, способного нанести ему вред, отправив боеголовки в космос. Но свершению планов богоподобного мутанта мешают молодые супергерои из команды Люди Икс.

При всех очевидных достоинствах Апокалипсиса, имеющего богатую мифологию, создателям фильма, режиссеру Брайану Сингеру и сценаристу Саймону Кинбергу, явно импонирует другой персонаж – Эрик Леншерр или Магнето. Его история получилась самой проработанной, особенно по сравнению с предыдущими частями франшизы, а Майкл Фассбенедер, исполняющий роль трагического и мечущегося Магнето, здесь показал одну из лучших своих работ. В первую очередь потому, что ему есть, что играть. Моральная дилемма, с которой Леншерр сталкивается в «Апокалипсисе», выводит персонажа на более глубокий психологический уровень, попытки достижения которого неявно предпринимались в предыдущих картинах, но без особого успеха. Его сюжетная линия заставляет по-настоящему сопереживать и держит в напряжении в течение всего экранного времени. Очевидно, что это его история. Но кроме крепкого сценария такого эффекта позволяют достичь и тонко вплетенные в картину параллели с эпопеей «Звёздные Войны», угадывающиеся почти с самого начала и до конца ленты. Следите за руками:

После гибели своей возлюбленной, разрывающийся между добром и злом Эрик Леншерр (Энакин Скайуокер) открывается для темного начала и берет себе другое имя – Магнето (Дарт Вейдер). Вскоре могущественный злодей Апокалипсис (Дарт Сидиус), играя на чувстве потери героем любимого человека, привлекает на свою сторону запутавшегося, но обладающего невероятной силой Магнето (Дарта Вейдера), делает его своим учеником, обещает раскрыть в нем новые силы и дарит стильный шлем. Новоприобретенный сторонник безропотно выполняет приказы учителя, атакуя своих бывших друзей, в том числе Чарльза Ксавье (Оби-Вана Кеноби). В конце концов, увидев, какие увечья нанес Апокалипсис (Дарт Сидиус) его сыну Ртути (Люку Скайуокеру), Магнето (Дарт Вейдер) возвращается на сторону добра и помогает уничтожить своего злобного наставника.

Подобные аллюзии поддерживаются не только на уровне сторителлинга, но и визуально (попробуйте найти 10 отличий между одетым в балахон Апокалипсисом и Дартом Сидиусом). В стиле пастиша выполнены также отношения Магнето со своими детьми (мальчика и девочки), о существовании которых тот не догадывается. Вот только в «Людях Икс» классическая фраза об отцовстве переворачивается и звучит из уст сына-Ртути как «Он мой отец», ведь здесь о родстве сын узнает раньше отца, но так и не осмеливается рассказать ему об этом.

Аллюзии и постмодернистские приемы явно не чужды Сингеру и Кинбергу, осознавшим на волне успеха недавно вышедшего «Дэдпула», что в 2016 году юмор в кинокомиксах может и должен быть другим, а именно интертекстуальным. Характерна в данном случае сцена, где четверо молодых персонажей – Скотт Саммерс, Джина Грей, Ночной Змей и Джубили – выходят из кинотеатра с показа свежей ленты «Возвращения Джедая» (на дворе ведь 1983-й) и как бы невзначай говорят, что «лучшим эпизодом “Звёздных Войн” был второй», (то есть «Империя наносит ответный удар», сейчас известный как пятый эпизод), а «третий фильм в трилогиях всегда получается худшим». Здесь сценарист Кинберг отсылает осведомленного зрителя к ранней трилогии франшизы «Люди Икс», первые два фильма которой получили широкое признание и фактически ознаменовали эру расцвета современных экранизаций комиксов, а вот третья часть, как раз написанная Кинбергом, часто признается и критиками, и поклонниками худшей. Теперь же Кинбергу снова было поручено создать сценарий третьего фильма трилогии о Людях Икс, запущенной в 2011 году Мэттью Воном с его «Первым Классом», поэтому он как бы оправдывает себя за прежнюю неудачу, иронично намекая, что и «Апокалипсис» может стать из-за него провальным, но к счастью этого не происходит.

Сценарий действительно позволяет насладиться тонкими, великолепно исполненными деталями, например, в сцене, когда мутанта Ангела посещает Апокалипсис со своими приспешниками (тогда еще двумя), а на фоне играет композиция группы Metallica «The Four Horseman», текст и название которой идеально накладываются на показываемые в тот момент события, и в целом она задает нужный тон. Похожее чувство можно испытать также в сцене спасения Ртутью учеников школы Ксавье, идущей под песню поп-дуэта Eurythmics «Sweet Dreams (Are Made of This)». Примечательно, что обе песни вышли именно в 1983-м году, так что к внимательному перфекционисту Саймону Кинбергу тут не может быть претензий.

Но все же недостатки у ленты есть, причем довольно заметные. В первую очередь, касающиеся камео Росомахи, снятого, прямо скажем, нелепо, грубо и представленного крайне неудачным способом, особенно если вспомнить первоисточники. Похожая проблема присуща отчасти и главному антагонисту фильма, сыгранному Оскаром Айзеком, произносящему иногда чересчур банальные и наигранные монологи. Стоит упрекнуть и провисающую из-за отсутствия динамики первую треть картины, которую все же в итоге спасает оставшаяся часть, полная невероятных батальных сцен, поставленных с визионерским мастерством Брайана Сингера. Помогает выйти из положения и внезапно оказавшийся уместным юмор, играющий свою первостепенную роль, разряжая обстановку, а не отвлекая от действия и нарушая атмосферу, как это бывает в фильмах киновселенной Marvel, особенно в «Первом Мстителе: Противостояние», страдающем от инфантильности шуток.

Основным же достижением «Апокалипсиса» стала дотошная проработка персонажей. Кроме Магнето и Ртути, к которым авторы испытывают самые теплые чувства и поэтому развивают их характеры глубоко и тщательно, достойное воплощение нашли молодые персонажи: наконец-таки адекватный Скотт Саммерс, неоднозначная Джин Грей, мучающаяся от скрытой в ней силы Феникса, динамичная Шторм и раскрывшая свой потенциал Мистик. Но важнее здесь скорее то, что команда Люди Икс впервые за девять фильмов действует настолько слаженно, каждый из них вкладывает свою важную лепту в битве с Апокалипсисом, делая эту сцену максимально запоминающейся и эффектной, поскольку все герои (за исключением разве что Псайлок) раскрыты в должной мере.

Брайан Сингер и Саймон Кинберг выполнили свою задачу, сняв не просто отточенное и сильное кино, но и правильно «обновив» знакомых персонажей, подготовив тем самым благодатную почву для последующих фильмов франшизы. Благо, их будет немало, ведь под руководством Кинберга уже готовятся спин-офф «Новые Мутанты», сиквел «Дэдпула», «Гамбит» с Ченнингом Татумом и продолжение «Апокалипсиса», действие которого развернется в 1990-е, что должно привнести дух культового мультсериала и комиксов тех времен. Киновселенной «Люди Икс» есть куда расти, у нее есть будущее, ставшее возможным благодаря картинам вовремя вернувшегося к франшизе Сингера.

В последнее время в мире набирают популярность модельеры с Ближнего Востока, но никто не говорит о дизайнерах с более удалённого уголка света – Восточной Азии. Восток – большое пёстрое полотно, на котором переплетаются совершенно разные культуры и взгляды на моду, однако у них есть одна общая черта – эксперименты, сильные решения, в которых можно увидеть исконные традиции, соединяющиеся с новыми, ранее неизведанными мотивами в мире модной индустрии. Несмотря на некоторые известные имена, такие как Такада Кензо, Ёдзи Ямамото и Наим Хан, завоевавшие мировое признание и покорившие западный мир, сегодня в Азии есть не менее перспективные молодые дизайнеры, чьи модные идеи становятся всё более популярными.

Япония

Yasutoshi Ezumi работал в качестве помощника в Модном доме Alexander McQueen. В качестве модельера он дебютировал в 2010 году, представив первую коллекцию осень-зима. Создавая свои коллекции, дизайнер вдохновлялся культурой и природой Азии. Ясутоши объясняет свою концепцию так: «Я исследую логику в жизни, обществе, окружающей среде. Ведь только имея полное понимание мира, можно создать нечто большее, чем свой собственный стиль»[1]. «Свежая» коллекция весна-лето 2016 выполнена в нейтральных оттенках бежевого, синего и белого, где мирно сосуществуют как классические фасоны, так и ненавязчивый геометрический крой. Основная идея бренда, заключающаяся в создании повседневной классической одежды, чувствуется сразу.

Yasutoshi Ezumi, весна-лето 2016: yasutoshiezumi.com

Марка Uniqlo была основана японским предпринимателем Тадаси Янаи. Сейчас этот бренд активно проникает в массы, а не так давно он появился и на российском рынке. Основная концепция заключается в том, «…чтобы весь мир одевался в качественную и красивую повседневную одежду»[2]. Отличие Uniqlo от других брендов в том, что одежда в этой компании разрабатывается многими талантливыми дизайнерами не только из Японии, но и со всего света. Именно благодаря совместной работе дизайнеров из разных стран, марка Uniqlo смогла достичь сразу две цели: качественная одежда и её доступность самым обширным слоям населения. А благодаря простоте и лаконичности коллекций, эта марка влюбляет в себя всё больше людей по всему миру.

Uniqlo, весна-лето 2016: uniqlo.com

Модный бренд Toga во главе с Ясуко Фурута создаёт коллекции, основываясь на японских традиционных силуэтах, дополняя их экстравагантными деталями с необычными цветовыми решениями. При этом Ясуко Фурута смогла создать узнаваемый концепт, благодаря чему марка стала достаточно известной и вышла на международный рынок. Асимметричные детали, яркие принты, объёмные плечи и пышный подол юбки – всё это Toga, особенно если всё уживается в одном луке.

Toga, осень-зима 2015/2016: toga.jp

Южная Корея

Бренд Low Classic был основан тремя южнокорейскими дизайнерами – Парк Джин Суном, Мейонг Сином, Хван Хиун Джином. Молодые дизайнеры создали свою дебютную коллекцию в 2010 году к весенне-летнему сезону. Концепция бренда – это классический и одновременно современный минимализм, акцентирующий внимание на женской красоте. Неудивительно, что основным вдохновением для марки служат молодые девушки Сеула в 20-х гг. прошлого столетия. За шесть лет бренд уже успел выйти за рамки страны и покорить Китай, Японию и США.

Low classic, весна-лето 2016: lowclassic.com

Марка Push Button очень известна в Южной Корее. Её основатель Шонган Парк создаёт свои коллекции, вдохновляясь западными поп-дивами, например, экстравагантной Леди Гагой. Несмотря на это, коллекции дизайнера состоят из лаконичных однотонных рубашек, комбинированных с широкими брюками-кюлотами, белых платьев классического кроя в сочетании с красными ботильонами на своеобразном каблуке-гвозде. Настоящей «фишкой» бренда является эффект отклеенной подошвы на обуви, присутствующий во всех образах весенне-летней коллекции.

Push Button, весна-лето 2016: pushbutton.co

Китай

Дизайнер Сяо Ли основала именную марку Xiao Li и взяла за основу своих коллекций игру с 3D объемом. Она виртуозно создаёт воздушные, словно облака, но и не слишком «приторные», предметы гардероба пастельных оттенков. Сяо Ли, благодаря своей необычной концепции, получила множество наград, например, Loro Piana Award в номинации «Лучшая трикотажная коллекция» и Diesel Award как «международный талант». Сама основательница бренда говорит: «Трикотаж может выглядеть футуристично. Несмотря на то, что джерси — мягкий и бесформенный материал, мне удалось создать новую технику работы с трикотажем и показать вещи скульптурных форм, вдохновленные архитектурой и работами дома Balenciaga»[3].

Xiao Li, весна-лето 2015: xiao-li.co.uk

Дизайнер Ян Ли также основал именной бренд YANG LI. Создатель этой марки получил образование в Британии, а после выпуска проходил стажировку у Рафа Симонса, что во многом повлияло на его дальнейшее творчество. Ян Ли выпустил несколько коллекций, придерживаясь минималистической концепции и используя только высокотехнологичные ткани. В своих интервью Ян не раз говорил, что креативный экс-директор дома Dior научил его прислушиваться к переменчивой индустрии и создавать одежду, которая останется актуальной.

YANG LI, весна-лето 2016: yangli.eu

Бренд Zuc Zug и её основательница Вэнь Иян стремятся показать, что создают одежду для обычных (и модных) людей и их повседневной жизни.[4] Уже на протяжении 14 лет, после основания марки в 2002 году, её коллекции наполнены простотой, практичностью и комфортом, где каждая женщина найдёт что-то для себя. Помимо этого Вэнь Иян приглашает на съёмки непрофессиональных моделей и девушек разных возрастов, тем самым подчёркивая, что её одежда подойдёт абсолютно любой представительнице прекрасного пола.

Zuc Zug, весна-лето 2016: zuczug.com

Все эти дизайнеры и их бренды – лишь малая часть огромной модной корпорации молодых дизайнеров, открывающихся сегодня всему земному шару. Как мы видим, стиль сasual для каждого из них представляется по-разному: где-то преобладают европейские мотивы, а где-то акцент делается на культурных особенностях Азии, но каждый из дизайнеров показывает своё уникальное видение популярного во всём мире повседневного стиля.

Автор: Ксения Пелевина

[1] Yasutoshi Ezumi. About Fashion brand// http://www.yasutoshiezumi.com/brand/brand.html

[2] Официальный сайт марки Uniqlo// http://www.uniqlo.com/ru/corp/

[3] Олеся Ива. Дизайнер Сяо Ли. 2015 // http://www.wonderzine.com/wonderzine/style/new_faces/213463-xiao-li

[4] 10 корейских марок. Журнал Look and Me // http://www.lookatme.ru/mag/archive/industry-lists/186711-korea

Галерея «MSK Eastside» ориентирована на молодых, амбициозных и талантливых художников. Она становится платформой для развития зарождающихся талантов, занимается их продвижением и даёт шанс представить свои работы широкой аудитории. Помимо этого, в галерее проходят выставки всемирно известных художников. Команда галереи интернациональная – художники Зак и Джабах Кахадо, галерист Уилдрик Батчес и партнёры – Марина Кахадо и Мадина Канокова-Кахадо.

Мы побеседовали с художниками Заком и Джабахом Кахадо и с партнёром галереи Мадиной Каноковой-Кахадо.

Братья Кахадо родились в Нью-Йорке, затем переехали работать и жить в Москву. Зак создает инсталляции и произведения современного искусства в смешанной технике, а также известен как куратор. Джабах признан одним из самых прогрессивных и влиятельных молодых фотографов и художников. Вместе и по отдельности братья организовали огромное количество выставок, а помимо этого ещё успевают представить публике новые таланты.

Предлагаю начать с традиционного вопроса. Какова история открытия галереи? Ведь первая галерея была открыта в лофт-пространстве «Фабрика», а вторая, открывшаяся недавно, находится в центре Москвы – в Леонтьевском переулке.

Обе площадки были открыты в связи с необходимость и запросом на это со стороны зрителя. Расширение – это естественный процесс. Первая наша площадка является, скорее, экспериментальной, она для молодых художников и кураторов. А в Леонтьевском уже более авторитетная, бросающая вызов, провокационная. Здесь мы будем выставлять другое современное искусство, то есть не экспериментальные работы, а работы авторов, которые уже имеют вес в современном искусстве. Здесь всё больше нацелено на реализацию бизнес-процесса. Если говорить конкретно об открытии второй площадки – мы стремились оптимизировать пространство на «Фабрике». Мы расширили формат, потому что круг наших художников тоже растет. Назовём это формой эволюции галерей.

«Мы открыты для всех. Наши гости очень разные люди, среди них – коллекционеры, арт-критики, дизайнеры, художники и даже музыканты. Каждая выставка формирует и создаёт свою аудиторию.»

На кого нацелена ваша галерея? Какова её основная аудитория?

Пространство галереи “MSK Eastside”

Мы открыты для всех. Наши гости очень разные люди, среди них – коллекционеры, арт-критики, дизайнеры, художники и даже музыканты. Каждая выставка формирует и создаёт свою аудиторию. Что-то подходит больше для молодёжи, а есть то, что нацелено на более взрослое поколение.

Одно из основных направлений выставляемого искусства – стрит арт и пост-граффити). Почему?

Опять же, появление граффити/пост-граффити – тоже естественная история. Очень удивительно, что Россия долго оставалась в стороне. Нам хорошо знакомы современные художники граффити. Они известны своим «вторжением в городскую среду». Также эти художники представляли себя на уличных фестивалях стрит-арта. А мы решили перенести этот вид искусства на музейный уровень. Мы делаем это не потому, что сейчас это мейнстрим, а потому, что мы относим граффити к одной из форм современного искусства. Некоторые считают, что граффити это хулиганство и вандализм, мы же показываем, что это искусство. Искусство, сделанное на другом материале. Художники используют ткань, дерево, железо, а художники граффити творят на стенах. Например, 2 года назад было очень трудно показать искусство граффити в музее. Сейчас мы очень рады тому, что нам это удалось. На наших выставках присутствуют фотографии, работы в смешанной технике и видео-инсталляции. Мы стали пионерами в продвижении этого искусства. И мы продолжаем делать успешные проекты.

Как вы выбираете художников для выставок? Есть ли у вас специальный подход? Или это внутреннее чутье?

Джабах: Мы команда, но и каждый из нас имеет своё мнение. Мы выбираем исходя из того, что нам нравится. Но это не единственный критерий. Мы смотрим на мастерство художника и не стремимся выбирать только модных художников. Мы изучаем детали творчества. Смотрим, что было сделано, в каком направлении движется художник, какие у него дальнейшие планы. Мы общаемся с художниками, пытаемся получить как можно больше информации прежде, чем сделать выбор. Мы любим тех, для кого искусство – стиль жизни.

Зак: Да, не хобби, а именно жизненный путь. Вы можете и сами видеть, что некоторые стремятся к тому, чтобы быть «cool». Они не посвящают себя полностью искусству. Мы рады видеть художников, для которых искусство не пустая трата времени. Художники присылают нам digital версию своего портфолио, а мы смотрим, анализируем, и если видим что-то интересное, просим их представить оригиналы.

Зак и Джабах Кахадо

Существует распространённое мнение, что современного искусства уже не существует. Я имею ввиду, искусства, которое транслирует наше поколение. Но вы продвигаете молодых художников, и собираетесь продолжать это делать?

Джабах: Мы работаем с художниками, потому что верим в их творчество. А это значит, что мы их будем поддерживать и продвигать на новый уровень. Я не арт-критик, и не могу сказать, что современного искусства нет.

Зак: А как тогда назвать искусство наших дней? Post contemporary?

Может быть. Многие сравнивают искусство наших дней с работами 50-60-х гг. И не видят идей, посылов в современном творчестве.

Сейчас много художников. Появились новые медиа. Тот же digital art. Но мы всё же приверженцы того, что сделано «руками». В рассуждениях слишком много философии. Это чепуха. Не стоит слишком углубляться в философию. Мы живём в современное время. Не стоит забывать о визуальном восприятии. И если картина вызывает у зрителя реакцию и чувства внутри – это уже искусство.

«Мы работаем с художниками, потому что верим в их творчество. А это значит, что мы их будем поддерживать и продвигать на новый уровень.»

В галерее проходила выставка Зака Кахадо «The laws of Chaos and the end of illusion». Могли бы вы рассказать о ней подробнее?

Зак: В первую очередь это о статусе-кво. Так я вижу ситуацию. Всё пронизано ощущением борьбы, жестокости, насилия. Хаос. Это то, что с чем мы сталкиваемся и в реальном мире и по телевидению. Я хотел показать, насколько современное искусство включено в геополитику и может отразить проблемы прав человека и социальных отношений. Это исторический диалог между материальным и символическим. Картины апокалиптичны. Это то, что происходит сейчас. Всё в огне. Поэтому в технике я использовал «сжигание». Эта техника применяется мною с 2009 г. Чтобы придать работам объем, я сделал работы многослойными. Это как театр абсурда. Ведь то, что происходит сейчас, совсем не поддаётся пониманию. И, к сожалению, абсурд стал частью нашей жизни. Нет ничего рационального. Что происходит в мире?! Все страдают, страдает человечество. Складывается ощущение, что мы не учимся на ошибках прошлого. Поэтому я решил поднять эти проблемы в своём творчестве. Это моё видение, и, надеюсь, что мне удалось пробудить определённые чувства в сердцах и головах смотрящих.

Выставка Зака Кахадо “The laws of Chaos and the end of illusion”

Признаюсь, выставка вызывает сильные эмоции. Заставляет задуматься.

Если это работает, я счастлив. Это значит, что мне удалось достигнуть своей цели. К сожалению, я не могу поддержать жертв, но я могу призвать людей «открыть глаза и сердца».

Как вы оцениваете арт-рынок? Если есть спрос, значит рынок функционирует и существует?

Джабах: Конечно, объемы продаж пока ещё малы. Рынок находится в стадии развития и это проблема для таких институций как частные галереи. Наша команда из 5 человек постоянно встречается с коллекционерами, новыми людьми в искусстве. Они нам доверяют, и они начинают с нами работать. А это очень важно. Если у галереи нет коллекционеров – галереи не существует. Таковы правила арт-рынка. Мы никуда не спешим. Это наша жизнь.

Выставка Руслана Мазло в галерее “MSK Eastside”

Зак: Кризис или нет, это наш стиль жизни и мы в любом случае будем продолжать работать. Мы верим в нашу работу. Если это выдающееся искусство, мы будем его показывать. И найдутся люди, которые захотят его купить. В России, например, существует аукцион «VLADEY», который помогает развитию отечественного арт-рынка. Галереи, музеи, коллекционеры, покупатели – все мы объединены рынком. И каждый участник прилагает усилия для его развития.

«Кризис или нет, это наш стиль жизни и мы в любом случае будем продолжать работать. Мы верим в нашу работу. Если это выдающееся искусство, мы будем его показывать. И найдутся люди, которые захотят его купить.»

Какие у вас дальнейшие планы?

Все горизонты открыты, и нет ничего невозможного. В этом месте и на Бауманской мы планируем провести ещё 45 выставок молодых художников, которые представят совершенно разные работы. В плане 2016 года галерее на Фабрике еще 4 выставки. В галерее в Леонтьевском переулке – 8 выставок. Мы сами проводим фестиваль – ежегодную групповую выставку “The new wave uncut”. И в этом году будет уже третья по счету выставка. В целом, на 2016-2017 у нас очень много планов!

Автор: Ксения Оленина

Фото предоставлены интервьюируемыми

Фёдор Михайлович Достоевский, вне всякого сомнения, принадлежит к числу тех выдающихся мыслителей и писателей, чье творчество оказало и продолжает оказывать огромное влияние на развитие мировой литературы. Однако называя Достоевского предсказателем, истинным знатоком человеческих душ, мастером психологической повести, многие таким образом прибегают к обобщенным понятиям, постепенно теряясь в многочисленных психофилософских категориях, как нельзя актуальных для писателя.

Рассмотрим важнейшие метасюжеты творчества Достоевского, возникшие в процессе содержательно-смысловой эволюции авторского художественного текста. В основе последнего, как известно, лежит ситуация так называемой «косвенной исповеди», причину формирования которой большинство мемуаристов нередко соотносят с «психологией подпольного человека», которая постепенно формирует в писателе непреодолимое желание высказаться. Оно, в свою очередь, напрямую связано с потребностью в раскрытии тайны, глубинной информации, касающейся личности человека; более того, по словам большинства литературоведов, такое стремление увидеть «в человеке человека»^[1] подразумевает желание увидеть в нём себя самого. В этом смысле «Дневник писателя», как следовало бы предположить, является наиболее полным высказыванием писателя о себе, который всеми силами стремится к тому, чтобы связать собственную жизнь с жизнью общемировой. В данном случае самоанализ выступает в роли своеобразной формы социализации, в процессе которой автор совершает неоднократные попытки высказаться, стараясь таким образом выйти из состояния уединённости, преодолеть состояние обособленности собственного «я» от остального мира^_[2]. При этом отличие Достоевского от других писателей и публицистов, стремящихся соединить свой индивидуальный опыт с опытом какой-либо социальной или культурной группы, заключается в его тяге к глобальным масштабам: он рассматривает собственное высказывание в рамках межпоколенного сословного сознания, опыта, одновременно осознавая его уникальность и исключительность. Однако несмотря на явный автобиографический характер произведения, сам писатель неоднократно признавался в том, что публичный, «показной» дневник не является дневником в прямом смысле этого слова («Я слишком наивно думал, что это будет настоящий дневник. Настоящий дневник почти невозможен, а только показной, для публики…»^[3]).

Цитата из «Дневника писателя».

Психологические особенности Достоевского, лежащие в основе его поведенческой модели, объясняют выбор им «исповедального жанра» как главного художественного принципа, который, как ни странно, соединяет в себе собственно «исповедальность» и вымысел. Однако следует заметить, что литературная исповедь писателя, в процессе которой он обращается не к Богу, а ко всему миру, не является исповедью в привычном понимании этого слова. Она представляет собой некую своеобразную форму проповеди, цель которой двояка: автор не только желает признаться в совершённых ошибках, но и стремится объявить о познании некой истины, тем самым наставляя читателя на верный путь. Парадоксально, но при этом одной из ключевых идей творчества Достоевского является мысль о невозможности исповеди, которая не базируется на полной и абсолютной искренности: малейшая ложь разрушает попытки даже самого отчаявшегося человека. Это во многом объясняет причину мазохизма Николая Ставрогина, которая кроется в тесном переплетении элементов нарциссизма^[4] и эксгбиционизма^[5].

Максим Матвеев в роли Николая Ставрогина.

Суть известного мотива «несостоявшейся исповеди», повторяемость которого связана с вышеназванной потребностью Достоевского установить прочный контакт с читателем, состоит в следующем: автор, как правило, заменяет слушателя воображаемым Двойником — сущностью, не обладающую способностью воспринимать исповедь, равно как и судить его за некогда совершённые проступки. Однако вместе с этим писатель, как и его герои, одновременно является собственным судьей и палачом и потому не пытается навязать адресату своей исповеди какое-либо мнение или же восприятие.

Данная нарративная стратегия напрямую связана с проблемой виртуальной идентичности, ярко обсуждавшейся в художественной критике XIX века и вместе с тем имевшей огромное влияние на формирование творческих ориентиров самого Достоевского. Редкая способность перевоплощаться в результате преодоления границы между своим и чужим превращает Достоевского в актера, который становится другим, не переставая при этом быть собой. Такое парадоксальное на первый взгляд представление о возможности человека быть кем-то иным в результате отождествления себя с чужим кажется притворством, неискренностью, однако на самом деле представляет собой очередную форму коммуникации. Автор, используя дар перевоплощения, который основывается прежде всего на сострадании, т.е. эмпатии, импровизирует, объединяет собственное сознание с сознанием другого человека, тем самым формируя некое коллективное пространство, к которому и приобщается читатель.

Источник фото: http://ilive.com.ua/

Взаимодействие своего и «другого» в произведениях Достоевского происходит следующим образом: с одной стороны, авторское мнение, высказанное при помощи художественных средств, автоматически становится чужим. Превращая таким образом прямое высказывание в опосредованное, писатель, цель которого заключается в перенесении собственной идеологической точки зрения в сознание читателя, увеличивает силу его коммуникативного воздействия; отсутствие же этого «превращения», с точки зрения многих филологов, превратило бы Достоевского в заурядного моралиста, ученого или публициста. С другой стороны, при создании автором образа того или иного персонажа, т.е. «чужого», действует всё тот же механизм эмпатии, поскольку автор как бы вживается в иную сущность, пытаясь понять и прочувствовать её изнутри. Такое переплетение процессов отчуждения и вместе с тем самоутверждения в произведениях писателя вполне объяснимо, поскольку любой писатель, как известно, и уничтожает, и утверждает себя в творчестве. Находящемуся на вершине своего творческого пути Достоевскому удалось перейти от перевоплощения в другого к отчуждению его образа – от освоения чужого опыта к раскрытию собственного потенциала, т.е. самоидентификации.

Постоянное стремление Достоевского и его персонажей к коммуникации через узнавание себя нередко сталкивается со смехом как наиболее частой реакцией на исповедь, связанной с презрением и явным неодобрением, что, в свою очередь, ведет к полному разрыву связи. Однако стоит заметить, что смех автора, звучащий со страниц чуть ли не каждого произведения, — сложное явление, которое возникает на стыке двух совершенно противоположных друг другу определений и потому играет важнейшую характерологическую роль («Если вам с первой встречи приятен смех кого-нибудь из совершенно незнакомых людей, то смело говорите, что этот человек хороший.»^[6]). С одной стороны, смех рассматривается как мощное оружие, обесценивающее множество понятий, будь то величие, зло, презрение или доброта, но вместе с тем реализуется в творчестве Достоевского и как средство выражения положительных эмоций.

Художественные принципы, используемые Достоевским в своём творчестве, привели к радикальной трансформации художественного текста. Обращаясь к специфике человеческого сознания, писатель прибегает к синтезу, на первый взгляд, абсолютно несочетающихся понятий, их взаимопроникновению друг в друга, что лишь доказывает двойственность авторского мировосприятия и одновременно объясняет его «тонкий психологизм», равно как и «фантастический реализм» его персонажей. Стремясь найти авторитетного собеседника, писатель воспринимает его как самого себя, что даёт ему возможность производить самопознание в косвенной форме, тем самым утверждая идею о целостности человека. Именно поэтому творчество Достоевского следует рассматривать как коммуникативный феномен, который не только является художественным атрибутом писателя, но и становится предметом изображения в его произведениях.

Автор: Марфа Кузнецова

Обложка: иллюстрация Николая Каразина к роману “Преступление и наказание”, 1893

[1] Достоевский Ф.М. Полное собрание сочинений в 30 т. Л., 1985. Т.27. С.65.

[2] В научной литературе, посвященной изучению особенностей творчества Ф.М. Достоевского, данное явление носит название «экзистенциального вакуума» или феномена социального отчуждения.

[3] Достоевский Ф.М. Полное собрание сочинений в 30 т. Л., 1985. Т. 29. С.78.

[4] Самовлюблённость, самолюбование.

[5] В случае с Николаем Ставрогиным эксгибиционизм состоит в стремлении героя произвести сильное впечатление своим рассказом.

[6] Родина Т.М. Достоевский: повествование и драма. М., 1974. Т.4. С.34.

[:ru]

5 июня в культурном центре ЗИЛ пройдет одно из самых масштабных интеллектуальных событий лета — 5-я конференция TEDxSadovoeRing, где х = независимо организованное мероприятие в формате TED. В этом году конференция выходит на новый уровень: на ней выступят сразу 10 спикеров и соберутся около 900 гостей. В преддверие мероприятия корреспондент THE WALL встретился с командой организаторов и поговорил с Глебом Шулишовым о том, что такое TEDx и как сделать идеальное выступление в формате TED.

КАК ВСЁ НАЧИНАЛОСЬ

TEDxSR задумал Артём Родичев в 2014 году. В команду меня пригласила Дарья Комарькова (основательница Бизнес-Инкубатора МГУ, — прим. автора), я на тот момент был достаточно погружен в тему TED-a, так как брал исследовательские интервью у спикеров глобального TED. С Артёмом мы встретились, посмотрели друг другу в глаза и сразу поняли, что можем работать вместе. Я подумал: вот это круто! Человек задумал сделать TEDx, просто сидя у себя в кабинете, не имея опыта организации мероприятий и необходимого бэкграунда. И он реально сделал TEDx и делает по сей день. По моему скромному мнению, это самый профессионально организованный TEDx в России именно благодаря тому, каких людей привлекает Артём. Наверное, нас всех притягивают те ценности, которые он транслирует. Вот уже третий год мы работаем бесплатно, тратя огромное количество часов на TEDxSR, так как верим, что оно того стоит.

КАК НАЙТИ СПИКЕРА

Всё происходит как на глобальном TED. Спикера может найти любой член команды. Мы звоним потенциальному спикеру с предложением выступить на конференции TEDx, а потом присылаем ему специальный бриф для заполнения. Бриф разработал Алексей Каптерев, автор книги «Мастерство презентации», я лишь чуть-чуть его переработал и подогнал под формат TED. Заполнить бриф — это первое, что мы просим сделать спикера. На этом этапе становится понятно, готов ли спикер вкладываться в репетиции и делать по-настоящему классное выступление. Если же он, к примеру, говорит, что выступал со своей презентацией уже 10 раз и в принципе может выступить и у нас, мы понимаем, что, скорее всего, он нам не подходит, это не сработает. Другое дело, если спикер очень хочет рассказать свою презентацию именно в формате TED. Это второе, что нужно от спикера, — понимание, что такое TED: его выступление будет в каком-то смысле увековечено. То, как он выступит на сцене, станет его наследием.

КАК СДЕЛАТЬ ИДЕАЛЬНОЕ ВЫСТУПЛЕНИЕ В ФОРМАТЕ TED

Моя роль заключается в том, чтобы, во-первых, спикер понял, в чём ключевая разница выступления в формате TED от любой другой презентации, даже если он опытный, а обычно все спикеры именно такие. Во-вторых, я помогаю спикеру донести его ценную идею в выступлении на 10 из 10 баллов. Сделать так, чтобы это стало его лучшим выступлением на сегодня. И действительно, таких случаев было немало. Нам пишут спикеры после конференции: «Это было самое серьёзное выступление на текущий момент в моей жизни». Моя роль в том, чтобы спикер не упустил этот шанс: выступил максимально хорошо, насколько это вообще возможно с учётом его роста, веса и жизненного опыта. Каждая из репетиций выводит спикера на следующий уровень. Минимальное количество подготовительных встреч для того, чтобы сделать полноценный TED Talk, — четыре. Бывало, что мы проводили и 12 репетиций с одним спикером.

ПОДГОТОВКА СПИКЕРОВ

Иногда мне кажется, что спикер справился бы и без меня. Но практика показывает, что им нужен не только я. Раньше я чаще проводил репетиции один, а с прошлого года зову всю команду. Более того, мы привлекаем к репетициям и «случайных зрителей»: будь это уборщица, секретарь или клиент, задержавшийся в офисе, мы интересуемся их мнением по выступлению. Когда ты репетируешь один, спикер может скептически отнестись к твоим комментариям — он видит тебя в первый раз, зачастую он гораздо старше тебя и добился большего в своей жизни, раз он оказался среди спикеров TEDx. Когда слушателей много — это очень отрезвляет. С другой стороны, это может и воодушевить! Спикер может думать, что выступил плохо, а ему говорят восемь комплиментов. В этот момент он начинает по-другому смотреть на своё выступление. Обратная связь — очень действенный инструмент, и мы им частенько пользуемся. Спрашиваем и у спикеров, что им понравилось, а что можно улучшить. Я слежу, чтобы соблюдался протокол. Наверное, подготовку выступления можно сравнить с массажем: каким бы первоклассным массажистом ты ни был, у тебя не получится сделать массаж самому себе. Точно так же, когда мне требуется подготовить презентацию, я обращаюсь за помощью. Даже опытному спикеру нужен взгляд со стороны.

Фото предоставлено Глебом Шулишовым

«Наверное, подготовку выступления можно сравнить с массажем: каким бы первоклассным массажистом ты ни был, у тебя не получится сделать массаж самому себе»

ОБ ОБЩЕНИИ СО СПИКЕРАМИ. ЧТО ЗАПОМНИЛОСЬ

Анатолий Левенчук (экономист и правовед, идеолог и методолог системного подхода, — прим. автора), помню, очень скептически относился ко всем нашим комментариям, но в то же время любил присутствовать на репетициях с другими спикерами и давать им советы. Мы очень переживали, что презентация получится скучной. Но он вышел на сцену и выступил блестяще — наши рекомендации явно были учтены.

(Смеётся)

Мария Сташенко (творческий предприниматель, основатель лаборатории Wonderfull, — прим. автора) ходила в лес, размышляя над тем, как построить своё выступление, чтобы оно не было похожим на все другие.

Василий Ключарёв (нейробиолог, профессор НИУ ВШЭ, — прим. автора) старался прислушиваться ко всем нашим комментариям. Меня впечатлило, что человек такого масштаба, учёный мирового уровня был готов выслушать других людей, которые младше него и имеют меньший опыт в жизни.

Андрей Афанасьев (основатель и генеральный директор iBinom, победитель московского Science Slam, — прим. автора) обратился к услугам стилиста. И такое было.

С Вадимом Новиковым (эксперт по антимонопольному законодательству, старший научный сотрудник РАНХиГС, — прим. автора) мне однажды пришлось встретиться вместе с дочкой в детском кафе «Андерсон», так как репетиции отнимают очень много времени и их приходится совмещать с другими активностями. Помню, снова и снова прогоняли выступление Вадима, думали, что убрать, а что добавить. Он спрашивает: «Ну, как?» Я ничего не успеваю ответить, а моя дочь говорит: «Скучно!» (Смеётся) Мне стало так неудобно, а Вадим со словами «Да! Точно» начал что-то быстро-быстро переписывать и переделывать в своем блокноте.

С Алексеем Чадаевым (журналист и общественный деятель, — прим. автора) была интересная подготовка. Мы всё время были недовольны его презентацией, и ему самому оно тоже не нравилось. Он бывший спичрайтер Путина и знает толк в публичных выступлениях. Мы готовились словно зомби: приезжали к нему в офис, созванивались по скайпу из ресторанов, гостиниц, в поезде, когда он был в командировке. После 10 репетиций вышло добротное выступление, но не на 10 из 10. Когда он вышел на сцену, у меня пошли мурашки по всему телу. Я очень удивился, ведь я знал его выступление наизусть, он не мог меня чем-то удивить. Я думал: что же произошло за эти три дня до выступления, что у меня появились мурашки? Алексей признался, что накануне конференции прорепетировал ещё 17 раз, а выступление длится 18 минут, то есть вы можете представить, сколько времени он потратил. И это дало ему понимание, где нужно расставить акценты в презентации так, чтобы у слушателей появились мурашки. Это вызвало действительно сильный эффект. Его выступление было единственным, которое было расшифровано одним из журналистов и опубликовано на следующий день в десять утра. Я считаю, это и есть результат.

ЧЕГО ЖДАТЬ ГОСТЯМ

5 июня мы очень ждём всех неравнодушных, объединённых идеями, достойными распространения. Именно эта конференция будет беспрецедентной. Мы прилагаем тонну усилий, чтобы, во-первых, найти достойного спикера, а во-вторых, сделать его выступление максимально понятным и интересным как интеллектуалам, так и обывателям, как людям из мира бизнеса, так и представителям научного сообщества. Мы обещаем крутой интеллектуальный марафон, где каждое выступление — новый инсайт, новое открытие.

(часть команды TEDxSR слева направо, сверху вниз: А.Коломиец, Р. Сарибекян, О. Кострыкина, С. Афанасьев, И. Суворова, Г. Шулишов, К. Москалёв)

________________

Для студентов команда организаторов приготовила билеты со скидкой 300 рублей. Чтобы её получить необходимо ввести промо-код TEDXSRSTU при регистрации на конференцию в TimePad.

Более подробно узнать о конференции и приобрести билеты можно на сайтах: tedxsadovoering.com и tedxsadovoering.timepad.ru/event/303900/

Текст и фото: Гульнура Каримова

[:en]5 июня в культурном центре ЗИЛ пройдет одно из самых масштабных интеллектуальных событий лета — 5-я конференция TEDxSadovoeRing, где х = независимо организованное мероприятие в формате TED. В этом году конференция выходит на новый уровень: на ней выступят сразу 10 спикеров и соберутся около 900 гостей. В преддверие мероприятия корреспондент THE WALL встретился с командой организаторов и поговорил с Глебом Шулишовым о том, что такое TEDx и как сделать идеальное выступление в формате TED.

КАК ВСЁ НАЧИНАЛОСЬ

КАК НАЙТИ СПИКЕРА

КАК СДЕЛАТЬ ИДЕАЛЬНОЕ ВЫСТУПЛЕНИЕ В ФОРМАТЕ TED

ПОДГОТОВКА СПИКЕРОВ

(фото предоставлено Глебом Шулишовым)

Иногда мне кажется, что спикер справился бы и без меня. Но практика показывает, что им нужен не только я. Раньше я чаще проводил репетиции один, а с прошлого года зову всю команду. Более того, мы привлекаем к репетициям и «случайных зрителей»: будь это уборщица, секретарь или клиент, задержавшийся в офисе, мы интересуемся их мнением по выступлению. Когда ты репетируешь один, спикер может скептически отнестись к твоим комментариям — он видит тебя в первый раз, зачастую он гораздо старше тебя и добился большего в своей жизни, раз он оказался среди спикеров TEDx. Когда слушателей много — это очень отрезвляет. С другой стороны, это может и воодушевить! Спикер может думать, что выступил плохо, а ему говорят восемь комплиментов. В этот момент он начинает по-другому смотреть на своё выступление. Обратная связь — очень действенный инструмент, и мы им частенько пользуемся. Спрашиваем и у спикеров, что им понравилось, а что можно улучшишь. Я слежу, чтобы соблюдался протокол. Наверное, подготовку выступления можно сравнить с массажем: каким бы первоклассным массажистом ты ни был, у тебя не получится сделать массаж самому себе. Точно так же, когда мне требуется подготовить презентацию, я обращаюсь за помощью. Даже опытному спикеру нужен взгляд со стороны.

ОБ ОБЩЕНИИ СО СПИКЕРАМИ. ЧТО ЗАПОМНИЛОСЬ

(Смеётся)

ЧЕГО ЖДАТЬ ГОСТЯМ

________________

Более подробно узнать о конференции и приобрести билеты можно на сайте: http://tedxsadovoering.com

Текст и фотографии: Гульнура Каримова[:]

Картина «Сияние» американского кинорежиссера Стэнли Кубрика вышла на экраны в 1980 году. Основанная на одноименном хоррор-романа Стивена Кинга, лента Кубрика, одна из поздних его работ, была негативно принята как публикой, так и критиками, немногие из которых оценили барочную эстетику фильма[1] и его непривычную, «затянутую» структуру[2]. Однако вскоре «Сияние» обрело культовый статус и вошло в многочисленные списки лучших фильмов XX столетия по версии именитых киножурналов, вроде Sight&Sound, Chicago Sun-Times и The Daily Beast. Реабилитации произведения Кубрика не в последнюю очередь способствовала статья выдающегося философа-марксиста и культуролога Фредрика Джеймисона, опубликованная в 1981 году[3], в которой он проанализировал ключевые постмодернистские и «ностальгические» подтексты фильма.

Жанр «Сияния» может быть формально охарактеризован как фильм ужасов, поскольку в основу сценария положен роман «короля ужасов» Стивена Кинга. Но при ближайшем рассмотрении становится очевидно, что произведение Кубрика нарушает условный канон жанра хоррор. Во-первых, за весь фильм погибает только один персонаж – обладающий даром телепатии темнокожий повар Дик Хэллоран, что нехарактерно для фильмов ужасов, в которых герои обычно умирают в больших количествах. Во-вторых, подобный ход режиссера указывает на то, что Кубрик делал акцент вовсе не на привлекающих массового зрителя бессмысленных убийствах и насилии, а на тщательно продуманной и с перфекционистским усердием созданной эстетике визуального воплощения страха. Но искушенных зрителей усилия постановщика так же не впечатлили. Наконец, в-третьих, добиваясь от актеров наиболее правдоподобной игры, Кубрик «изматывал» исполнителей главных ролей, в первую очередь Шелли Дювалл, от которой режиссер требовал максимально истеричной игры, необходимой для передачи внутреннего состояния ее героини.

Иными словами, Кубрик собирался снять по-настоящему страшный (в его понимании) фильм, но по ряду причин у него этого не вышло. Схожие с модернистскими методы режиссера оказались непопулярными ни у создателей массовой кинопродукции в жанре хоррор, ни у авторов-интеллектуалов, принципиально игнорирующих жанровое кино. Описывая эстетический универсум картин Кубрика, исследователь Джеймс Нэрмор удачно причисляет режиссера к течению «холодного модернизма»[4], поскольку это позволяет обратить внимание на тот факт, что Кубрик не был модернистом в классическом понимании. Он шел дальше, осознавая свою причастность к постклассической парадигме, и не брезговал массовым кинематографом, переходя к постмодернистским тенденциям, заложенным в «Сиянии» в большей степени, нежели в прочих его работах.

«Кубрик делал акцент вовсе не на привлекающих массового зрителя бессмысленных убийствах и насилии, а на тщательно продуманной и с перфекционистским усердием созданной эстетике визуального воплощения страха»

Как и в других фильмах ностальгической традиции, в «Сиянии» мы сталкиваемся не с игривым модернистским исследованием формы и ранее табуированных тем, но уже с видом постмодернистского искусства, которое, по выражению Жана Бодрийяра, находит себя «дрейфующим в некотором роде невесомости», поскольку происходит исчезновение «горизонта политического порядка, культурного порядка». В такой эстетической сфере, где искусство «деконструировало свою собственную вселенную», единственная форма культурного производства, которая имеет место, это «игра с фрагментами»[5].

Что же, в таком случае, можно сказать о фрагментах культурного прошлого? Возможно, как отмечает Фредрик Джеймисон, главной темой постмодернистского американского кино является «крайняя тривиальность повседневной жизни в эпоху позднего капитализма», тема, воплощенная в истоме, которой характеризуется как семейная жизнь семьи Торренсов, так и связь Джека со своими работодателями. По Джеймисону, задача режиссера заключается в понимании того, «как создать иллюзию, что что-то продолжает происходить, что события случаются, что есть еще истории, которые можно рассказать, в ситуации, когда уникальность и неотменимость личных судеб и индивидуальности как таковой, по-видимому, исчезли»[6]. Для того, чтобы обеспечить произведение такими обманчивыми «энергиями» (движения, возможности трансформации, от которой зависит все повествование), Кубрик и прибегает к традиционному жанру, обеспечивающему режиссера всеми фрагментами, которые необходимы ему для игры.

С этой точки зрения, «ностальгические» (по определению Джеймисона) голливудские фильмы предстают в качестве художественного решения репрезентативных проблем, связанных с постмодернизмом, а также ответа на сверхдотошную грамотность послевоенной молодежной культуры. «Сияние» открыто противостоит репрезентативной проблеме, отклоняя привлекательность ностальгического порыва, фигурирующего в фильме в виде желания Джека найти тот момент из прошлого, который сможет заменить настоящее, не дающее ему никакого комфорта, ни личного, ни профессионального, в том числе даже способность представить самого себя и свое состояние.

«Сияние» стремится отобразить деконструкцию ностальгического импульса в манере вызова и критики общепринятых конвенций. Общеизвестный фактом в данном случае является то, что «Сияние» – это «история с призраками», то есть столкновение между теми, кто живет, и теми, кто уже умер, но так или иначе продолжают существовать. Истории с призраками спекулируют на «невозможном» присутствии прошлого здесь и сейчас. Во времена, когда американский кинематограф оказался двусмысленно ориентирован на золотую эру бережно хранимых воспоминаний, Кубрик решил обратиться к жанру, который повествует о взаимном наслоении отчетливых и несовместимых времен.

«По определению Джеймисона, «ностальгические» голливудские фильмы предстают в качестве художественного решения репрезентативных проблем, связанных с постмодернизмом, а также ответа на сверхдотошную грамотность послевоенной молодежной культуры»

Если другие истории с призраками (например, «Головокружение» Альфреда Хичкока, «Невинные» Джека Клейтона), как правило, выдвигают на первый план разрушительные замыслы злых духов по отношению к живым, то в «Сиянии» подчеркивается бессодержательность и психологическая хрупкость настоящего. Загнанный в угол узами брака и ответственностью за поддержание на плаву своей семьи, Джек Торренс отходит к великой пустоте, которая, как он надеется, даст некоторую уединенность, необходимую ему для реализации собственных писательских амбиций. Но получив достаточно пространства и времени, Джек обнаруживает лишь бездонность своего существования; даже модернистский отход к внутренней творческой личности не обнаруживает никакого послания, кроме юношеской обиды на невозможность проводить свою жизнь так, как хотелось бы, то есть играючи и без обязательств. Прошлое, которое гнев Джека открывает ему, предлагает возможность бессмысленного потакания своим слабостям, но оно также требует уничтожения, а не отказа от настоящего – задачи, которую Джек полностью проваливает, и в чьей награде (возвращении обратно к самому себе и состоянию, в котором он всегда находился) ему отказывается.

Таким образом, Джек Торренс становится идеальным образцом неудавшегося художника эпохи постмодерна: заключенный в ловушку между временами, не в силах найти что-то, о чем стоит или не стоит высказаться, сведенный к осуществлению примитивного, бессмысленного рессентимента в условии мрачных перспектив человеческого положения. Подобным рессентиментом характеризуется большая часть творчества Стэнли Кубрика, но он находит свою идеальную, эпохально-раскрывшуюся реализацию только в фильме «Сияние».

Автор: Максим Литвинов

Источник фото: torrents.tj

[1] Beebe, J. “The Shining” Review // The San Francisco Jung Institute Library Journal, Vol. 1, No. 4 (Summer 1980), p. 59.

[2] Leibowitz, F. and Jeffress, L. “The Shining” by Stanley Kubrick // Film Quarterly, Vol. 34, No. 3 (Spring, 1981), p. 48.

[3] Jameson, F. «The Shining» // Social Text, No. 4 (1981), pp. 114-125 (Рус. пер.: Джеймисон, Ф. Историзм в «Сиянии» // Джеймисон, Ф. Марксизм и интерпретация культуры. — Москва; Екатеринбург: Кабинетный ученый, 2014. С. 350-368).

[4] Нэрмор, Дж. Кубрик. – М.: Rosebud Publishing, 2012. С. 11.

[5] Baudrillard, J. Interview: Game with Vestiges // On the Beach, No. 5 (Winter 1984), p. 19, 24.

[6] Джеймисон, Ф. Историзм в «Сиянии» // Джеймисон, Ф. Марксизм и интерпретация культуры. — Москва; Екатеринбург: Кабинетный ученый, 2014. С. 355.

Почти год назад в Москве, у метро Маяковская, открылся первый в своём роде музей одного художника «Музей АЗ», посвященный творчеству одной из ключевых фигур русского авангарда — Анатолию Звереву. Накануне дня рождения музея THE WALL посетил выставку «Красавицы столетий», а также побеседовал с редактором издательского проекта Сергеем Соловьевым и пресс-секретарем Марией Гирба, которые рассказали об истории музея, его особенностях и планах на будущее.

Источник фото: www.vashdosug.ru

Музей существует почти год, но за это время в нём сменилось уже три экспозиции, каждая из которых представляла А.Зверева с совершенно разных сторон. Сотрудники музея отмечают, что каждая новая выставка требует полной реорганизации пространства, совершенно новых дизайнерских и даже архитектурных решений. Выставки сменяют друг друга порой так быстро, что зритель, еще не знакомый с музеем, приходя впервые, часто принимает их за постоянную экспозицию. Однако, собираясь посетить Музей АЗ, действительно важно прежде ознакомиться с концепцией той или иной выставки, чтобы иметь возможность оценить не только творения самого художника, но и работу куратора – Полины Лобачевской.

Устройство пространства музея и правда достойно быть отмеченным отдельно. По словам представителей музея, в процессе строительства одной из главных задач было создание максимально нейтрального интерьера, который не «закрепощал» бы музей в каком-либо временном периоде или идеологии; интерьера, в котором в дальнейшем можно было бы творить. Музей сотрудничал с известнейшими архитекторами и дизайнерами. В конечном итоге, пространство музея получилось по-настоящему уникальным: будучи довольно современным и во многом европейским, внутреннее устройство располагает посетителей любой возрастной категории и сферы интереса к диалогу с художником и с самими собой. Кроме того, на территории Музея АЗ есть небольшой дворик, где проводятся различные мероприятия для детей и взрослых.

«Будучи довольно современным и во многом европейским, внутреннее устройство располагает посетителей любой возрастной категории и сферы интереса к диалогу с художником и с самими собой»

Выставка «Красавицы столетий», которая открылась 29 марта, представляет вниманию зрителей ключевое направление творчества Анатолия Зверева — портретную живопись. Выставка устроена таким образом, чтобы позволить посетителю полностью погрузиться в мир живописи художника, ни на что не отвлекаясь. Под картинами вы не найдете названий, дат и подписей. Однако почти за каждым представленным портретом стоит целая история, и желающие узнать подробности о той или иной работе, могут найти информацию в специальном буклете.

Источник фото: tass.ru

Чтобы помочь зрителю проследить творческий путь Зверева, между некоторыми картинами располагаются небольшие экраны, на которых представлены шедевры мировой живописи. Кураторы выставки предлагают провести аналогию между различными периодами творчества художника и этапами эволюции истории искусства.

«Музей стремительно развивается, и его представители призывают своих гостей развиваться вместе с ним, открывать для себя новые границы искусства и восприятия»

Поскольку творчество Анатолия Зверева охватывает огромное количество стилей и направлений, в этом музее каждый сможет найти «своё». Посетить его стоит даже тем, кто совсем не знаком с русским авангардом и работами Зверева. Среди различных форматов — выставки, лекционные и музыкальные программы — зритель может выбрать наиболее подходящий интересный и для себя. Музей стремительно развивается, и его представители призывают своих гостей развиваться вместе с ним, открывать для себя новые границы искусства и восприятия.

Источник фото: http://www.museum-az.com
Автор статьи: Антипова Екатерина

Томное слово «гранж» всё чаще появляется в современном лексиконе по поводу и без. Нередко оно употребляется в шутку применительно, например, к тамблер-гёрлз и другим обладательницам тёмных помад и экстравагантных чокеров. Но, если серьёзно, давайте разберёмся, что же на самом деле представляет из себя «писк» современной моды – гранжевый стиль. О развитии и философии гранжа – читайте в материале.

vogue.de

Начнём с истоков: прошлое у гранжа достаточно увлекательное, ведь он является производным от стиля панк. 70-80-е годы прошлого века – очень бурный период истории. В свою очередь, мода, чуткая к различного рода брожениям общества, сразу породила множество бунтарских веяний и стилей. Одним из них стал панк, мгновенно ассоциирующийся с тяжёлой музыкой, чёрными кожанками и ирокезами. Этот стиль, название которого фигурирует в английском тюремном жаргоне, неразрывно связан с именем одного из самых эпатажных модельеров всех времён и народов Вивьен Вествуд, которая в середине 70-х потрясла общественность торчащими шипами обесцвеченных волос и футболками с изображениями королевы Елизаветы с проткнутой булавкой губой.[1]

wiki.wildberries

Агрессивные тенденции, введённые в моду Вивьен, нашли благодатную почву для развития и уверенно прошагали сквозь неспокойные 80-е. Однако в начале 1990-х всё активнее чувствовалась некая ностальгия по былому, и стиль панк вынужден был сосуществовать с модой на ретро. Кризисные явления, охватившие мир, бедность и неудовлетворённость недостатком свободы самовыражения породили ненависть к гармонии, а элегантность стала старомодной. При этом агрессия и эпатаж как средства провокации постепенно изжили себя, и молодёжь начала искать новые способы выражения своей индивидуальности. Между тем, на небосклоне отрицания шика всё ярче разгоралась звезда Марка Джейкобса.

Этого модельера, настоящую живую легенду, можно по праву назвать отцом-основателем стиля гранж, что с английского сленга можно дословно перевести как «грязь». Дизайнер черпает вдохновение из своих наблюдений за посетителями нью-йоркских ночных клубов и жителями маргинальных районов Большого яблока. Так что стиль, который сам Марк считает «романтичной версией панка», не спустился в искажённой форме с Олимпа высокой моды, а, наоборот, фактически вышел из народа, причём из самых низших слоёв общества.[2]

vogue.com

Первая гранжевая коллекция Марка Джейкобса, увидевшая свет в 1992 году, аккумулировала все тонко подмеченные черты этого стиля.[3] Это был настоящий вызов предсказуемой красоте, где органично сосуществовали нежные платья в пол, фланелевые рубашки и грубые ботинки в стиле милитари. Отныне гранж манифестирует моду на всевозможные отклонения, на любование тем, что ещё недавно считалось уродливой безвкусицей.

elle.ru

Теперь можно сочетать всё, что душа пожелает, главное – бросить вызов окружению и сломать стереотип о том, что неопрятность – это некрасиво. Кстати, начинающие любители гранжа, поколение кризисных лет, бунтарские натуры, жившие под песни «Nirvana», настолько увлекались сочетанием несочетаемого и ношением секонд-хенда, что подчас походили на бездомных. Однако всё это – крайности, доведённые до абсурда. Сейчас гранж «остепенился» и является скорее «маргинальным шиком», поэтому образы девочек из 90-х со спутанными волосами в потёртых грубых ботинках и куртках с плеча старшего брата адаптированы дизайнерами под вкусы современных модниц.[4] И тем не менее кто же устоит перед искушением вновь достать заброшенную в долгий ящик бархотку и надеть столь обожаемый струящийся летний сарафан с не менее любимыми кедами? Гранж, перевернувший взгляд на стиль в 1990-е, всё ещё не отпускает верные сердца модниц. И, в конце концов, особая прелесть гранжа в его удобстве, функциональности и комфорте, ведь этот стиль помогает в очередной раз осознать, что гармония души важнее, чем сознательное ущемление себя ради условностей, которые принято называть элегантностью.

vogue.ru

Сейчас гранж, хотя и горячо любим, но сильно стилизован. Дизайнеры скорее предпочитают заимствовать и комбинировать элементы этого стиля. Среди основных тенденций нового гранжа нельзя не отметить, например, рваные небрежно подвёрнутые джинсы, шапки крупной вязки, носить которые можно в любое время года, и объёмные джемперы, желательно в клетку. Не обойдём стороной и комплекты, стилизованные под потрёпанную школьную форму, а также платья а-ля пеньюары с дублёнками нарочито грубой отделки. И, конечно же, как можно забыть о настоящем must-have аксессуаре – чокере, таинственность и очарование которого сводит с ума даже самых стойких селебрити.

teenvogue.com

Гранжевая неряшливость сегодня создаётся умышленно. За небрежностью и непосредственностью кроется тщательная работа дизайнеров и стилистов, а будто случайно надетые вещи – на самом деле хорошо продуманные комплекты. Однако сладостного вкуса свободы у этого стиля не отнять даже в современном прочтении. Изначально за грубостью и неухоженностью скрывался глубокий смысл: сделать акцент на духовном мире человека и показать, что функция одежды лишь утилитарна. Современный гранж, конечно, уже прошёл агрессивную стадию отрицания внешней красоты, однако эклектика, андрогинность и бесшабашность, составляющие квинтэссенцию этого стиля, бережно сохраняются и «культивируются» дизайнерами. Гранж учит нас жить без оглядки на каноны общества, наслаждаться моментом и позволять себе необдуманные поступки. Современная мода высоко ценит непринуждённость, ведь непринуждённость и есть красота.

Автор: Екатерина Леоненкова

[1] Дизайнеры. Вивьен Вествуд. http://www.vogue.ru/fashion/whoiswho/designer/459253/

[2] Наше навсегда, 30.06.2013, http://www.vogue.ru/magazine/articles/Nashe_navsegda/.

[3] Дизайнеры. Марк Джейкобс http://www.vogue.ru/fashion/whoiswho/designer/459244/.

[4] #THELIST: The New Grunge, 14.02.2016, http://www.harpersbazaar.com/fashion/trends/g6849/thelist-nineties-grunge-fashion/

[:ru]21 мая – ночь в музее[:]